Les rencontres B2B de Toronto ont permis de découvrir de nouvelles liaisons aériennes, des offres hôtelières renouvelées et des expériences invitant à explorer différentes régions de la République dominicaine.

Dans le cadre de l'événement Meet in Paradise, organisé à Toronto, les rencontres d'affaires B2B ont offert aux professionnels canadiens du tourisme l'occasion d'échanger directement avec des représentants de compagnies aériennes et de chaînes hôtelières présentes en République dominicaine. Ces entretiens ont permis de faire le point sur les nouveautés, les projets et les services destinés à différents profils de voyageurs, ainsi que sur des propositions qui invitent à découvrir le pays au-delà de ses destinations traditionnelles.

Los encuentros B2B de Toronto permitieron conocer nuevas conexiones aéreas, propuestas hoteleras y experiencias para descubrir distintas regiones de la República Dominicana.

En el marco de Meet in Paradise, celebrado en Toronto, los encuentros de negocios B2B ofrecieron a los profesionales del turismo canadiense la oportunidad de conversar directamente con representantes de aerolíneas y cadenas hoteleras que operan en la República Dominicana. Las entrevistas permitieron conocer novedades, proyectos y servicios dirigidos a distintos perfiles de viajeros, así como propuestas que invitan a explorar el país más allá de sus destinos tradicionales.

Le Centre des congrès Enercare de Toronto s’est transformé en une véritable fenêtre sur les Caraïbes, habillée aux couleurs de la République dominicaine (RD), avec ses parfums et ses rythmes. Les pavillons thématiques, aménagés avec des éléments caractéristiques de chaque région et accompagnés de vidéos mettant en valeur leurs paysages et leurs attraits, ont captivé les participants et les ont invités à découvrir toute la diversité d’une destination qui va bien au-delà de ses célèbres plages.

El Centro de Congresos Enercare de Toronto se transformó en una ventana al Caribe, vestido con los colores, aromas y ritmos de República Dominicana (RD). Sus pabellones temáticos, ambientados con elementos característicos de cada región y acompañados de vídeos que mostraban sus paisajes y atractivos, cautivaron a los participantes y los invitaron a descubrir la diversidad de un destino que va mucho más allá de sus célebres playas.

Air Transat dévoile son programme pour l’été 2027, qui compte cinq nouvelles liaisons sans escale entre le Canada et l'Europe. Deux villes s'ajoutent à son réseau : Genève (Suisse) au départ de Montréal, ainsi que Birmingham (Royaume-Uni) au départ de Toronto. Les autres nouvelles liaisons relient Québec à Lyon (France) et à Barcelone (Espagne), ainsi que Montréal à Faro (Portugal). Les liaisons Québec–Puerto Plata et Montréal–Saint-Martin seront également prolongées au-delà de la saison hiver 2027 et offertes toute l’année.

« Nous souhaitons développer une offre dont les destinations se complètent et donnent accès à différentes expériences de voyage, affirme Sebastian Ponce, chef de la direction des revenus chez Transat. Notre programme pour l’été 2027 associe la découverte de nouvelles régions d’Europe au renforcement de marchés où nous sommes déjà présents. En prolongeant aussi certains services soleil pendant l’été, nous leur offrons plus de latitude pour choisir leur période de vacances. »

Nouveautés du programme été 2027 d’Air Transat

Deux nouvelles destinations en Europe 

Au départ de Montréal, Air Transat ajoutera Genève, en Suisse, une destination qui combine tourisme, affaires et échanges universitaires. Ville francophone au bord du lac Léman, Genève accueille de nombreuses organisations internationales et donne accès aux Alpes, dont Chamonix, au pied du mont Blanc.

<>

Au départ de Toronto, Air Transat renforcera son offre en Angleterre avec Birmingham, au Royaume-Uni, en complément de Londres et de Manchester. Située au cœur de l’Angleterre, Birmingham permet de découvrir Stratford-upon-Avon, ville natale de Shakespeare, et la région des Cotswolds.

<>

Une offre élargie au départ de Montréal  
Air Transat ajoutera une liaison sans escale entre Montréal et Faro en Algarve dans le sud du Portugal, une destination déjà offerte au départ de Toronto. Faro sera le troisième aéroport desservi par Air Transat au départ de Montréal vers le Portugal, avec également Lisbonne et Porto.

La liaison Montréal–Saint-Martin sera également disponible toute l’année, offrant ainsi une option supplémentaire pour voyager dans les Caraïbes à l’été.

Cinq destinations européennes sans escale au départ de Québec

Avec l’ajout de Lyon et de Barcelone, Air Transat proposera cinq destinations européennes sans escale au départ de Québec à l’été 2027, aux côtés de Paris, Marseille et Nantes.

La liaison Québec–Puerto Plata sera également offerte toute l’année, permettant aux voyageuses et voyageurs de profiter des forfaits Transat vers cette destination en toute saison.

Ces nouveautés s’ajoutent à l’ensemble du réseau été 2027 d’Air Transat. Grâce à son partenariat avec Porter Airlines, Air Transat permet également aux voyageuses et voyageurs de partout au Canada de se connecter facilement à son réseau international.

Air Transat bonifie son offre au départ de l’Aéroport international Jean-Lesage de Québec avec l’ajout de deux nouvelles destinations européennes exclusives en vol direct à l’été 2027 : Lyon et Barcelone. Cette dernière deviendra la première liaison sans escale entre Québec et l’Espagne. Nous offrirons également une liaison entre Québec et Puerto Plata toute l’année, permettant ainsi aux voyageuses et voyageurs de profiter des forfaits Transat vers cette destination des Caraïbes en toute saison.

Les Rencontres internationales du documentaire de Montréal (RIDM) sont fières de dévoiler la programmation de leur 29e édition, qui se déroulera du 19 au 29 novembre 2026. Réunissant cette année 127 films en provenance de 54 pays, dont 25 premières mondiales, 19 premières nord-américaines, 22 premières canadiennes et 28 premières québécoises, le festival offre un panorama riche et audacieux du cinéma documentaire, où se croisent regards singuliers, voix émergentes et cinéastes de renom. 

« Nous traversons une période mouvementée et de profondes contradictions. Les crises politiques, les fractures sociales, la précarité écologique et les changements dans les rapports de force marquent le monde qui nous entoure et la façon dont nous cherchons à le comprendre. Pour cette 29e édition, nous invitons le public à découvrir un cinéma qui regarde le présent avec pertinence, curiosité et imagination, qui ne se contente pas de réponses faciles et qui propose de nouvelles façons d’observer, d’écouter et d’interagir. » - Mégane Chatelet (direction générale par intérim), Marlene Edoyan et Hubert Sabino-Brunette (codirection artistique et programmation) 

Fidèle à sa volonté de faire dialoguer les perspectives et d’ouvrir de nouvelles fenêtres sur le monde, cette édition présente des oeuvres qui interrogent notre époque, bousculent les idées reçues et nourrissent la réflexion. Pour prolonger ces échanges au-delà des projections, les RIDM proposeront également une série de discussions, d’activités et d’événements rassembleurs, dont plusieurs seront accessibles gratuitement. 

BANDE-ANNONCE 2026

10 JOURS À LA DÉCOUVERTE DU CINÉMA DOCUMENTAIRE D’AUTEUR - D’ICI ET D’AILLEURS

Les RIDM sont ravies de lancer leur nouvelle programmation avec le long métrage Garder une montagne (To Hold a Mountain) qui nous amène au coeur des montagnes du Monténégro, où la tradition agricole d’une mère et de sa fille est menacée par un projet de l’OTAN. La soirée d’ouverture se déroulera à la Salle Pierre-Mercure du Centre Pierre-Péladeau (300, Boul. de Maisonneuve E) le jeudi 19 novembre prochain, en présence de la cinéaste Biljana Tutorov, qui coréalise le film avec Petar Glomazić. Lauréat du Grand Prix au Festival du film de Sundance, ce portrait profondément féministe, antipatriarcal et environnemental a été présenté au sein des plus grands festivals de documentaires, dont CPH:DOX, Visions du Réel, Cinéma du réel, Hot Docs et Dok.fest München. 

Plusieurs oeuvres s’étant démarquées à l’international seront proposées au public québécois à l’occasion de cette 29e édition. Dévoilé à la récente Mostra de Venise, Citizen Osama de Ahmed Hassouna, choisi pour représenter la Palestine aux Oscars® en 2027, suit le journaliste gazaoui Osama Al-Ashi accomplissant l’essentiel geste politique de documenter le génocide dans son quotidien de destruction, de morts et de famine causé par l’armée israélienne à Gaza. Avec Memory, présenté à Visions du Réel, la cinéaste Vladlena Sandu revisite son enfance en Tchétchénie pour comprendre le cycle de la violence qui s’étend sur des générations. La puissance des voix féminines se trouve aussi au coeur de la programmation avec le film Virages de Céline Carridroit et Aline Suter qui a fait ses premières marques au Festival de Cannes, et Hanabi de Ana Vaz, cinéaste brésilienne reconnue dans le milieu expérimental et des arts visuels, dont la projection aux RIDM suivra celles aux festivals de Vienne, New York, Londres et Locarno. Également projeté à Locarno, Atcha Atcha de Mamadou Dia octroie une grande place à la danse et à sa transmission alors qu’il documente la dernière année de formation à l’École des Sables, au Sénégal. 

Loran Bonnardot cosigne la réalisation de Tristan Forever avec Tobias Nölle, dont le documentaire Preparation for a Miracle avait fait l’ouverture des RIDM en 2024. Les festivalier·ère·s seront donc en mesure de suivre le travail du cinéaste suisse, ainsi que celui du réalisateur algérien Hassen Ferhani (143, rue du Désert) qui revient au festival avec la présentation de son récent opus, Alea Jacarandas remarqué à Visions du Réel. Parmi les oeuvres essentielles cette année, Once Upon a Time in Harlem de William Greaves et David Greaves, un hommage précieux au mouvement Harlem Renaissance et Amílcar de Miguel Eek, essai poétique lumineux consacré à Amílcar Cabral, agronome, penseur et révolutionnaire africain qui a mené la lutte anticoloniale en Guinée-Bissau et au Cap-Vert. 

Le festival réaffirme son engagement de promotion du cinéma d’ici avec 54 films québécois, canadiens et autochtones présentés en primeur cette année. Le public pourra y retrouver les récentes oeuvres de André-Line Beauparlant (Petit Tom) et Steve Patry (Un souffle à la fois), qui interrogent toutes deux les dynamiques de la violence et les possibilités de s’en affranchir. Celles de Catherine Hébert et Elric Robichon (Pour que le silence ne l’emporte pas), Simon Plouffe (Des grues et des voix) et David Sanchez (Nos ruines fertiles) qui partagent la volonté de faire communauté et de s’organiser pour résister à la gentrification. Avec des mises en scènes originales, François Jacob (Partout et nulle part) et Emanuel Licha (Une zone d’échos) proposent des approches cinématographiques singulières pour appréhender des réalités complexes. Les nouvelles formes documentaires sont également explorées dans les films de Matthew Rankin (Mesdames et Messieurs, Brian Mulroney) et de Karl Lemieux (Plateformes), ce dernier étant accompagné d’une installation. 

Reconnu pour ses courts métrages, Aziz Zoromba présentera son premier long métrage (LOUF) en plus de donner une leçon de cinéma à l’occasion de la Journée de la relève. Les cinéastes émergent·e·s sont d’ailleurs bien mis à l’honneur de cette 29e édition, avec 24 premiers longs métrages au programme. Avec 66 courts et moyens métrages présentés cette année, les RIDM accordent une place de choix à ce format très riche en exploration cinématographique. Ils seront mis en valeur dans plusieurs volets (Panorama, Rétrospective, Focus), ainsi qu’à travers un programme consacré aux courts métrages de Miryam Charles. Le festival proposera également une projection hommage de deux oeuvres de Jocelyne Saab, figure de proue du nouveau cinéma libanais, sans oublier la traditionnelle Soirée de la relève Radio-Canada. 

La programmation de 2026 est également marquée par la forte présence du cinéma des Premiers Peuples avec des oeuvres qui incitent à la reconnexion au territoire, à l’affirmation et au partage de culture. Le public pourra découvrir Itilli Gathering de Myna Ishulutak et Aïda Maigre-Touchet, Inuguiniq de Olivia Ikey, Ceremony de Banchi Hanuse, Aanikoobijigan [ancestor / great-grandparent / great-grandchild] de Adam Khalil et Zack Khalil et le court métrage Endless Sunlight de Tyson Houseman. À ces oeuvres s’ajoutent sept courts métrages du Wapikoni, présentés alternativement avant chaque film de la compétition nationale, afin de mettre en lumière le talent et l’importance des enjeux exposés par la jeune création autochtone. La discussion Cinéma autochtone : Récits et nouvelles formes proposera, quant à elle, une réflexion collective sur les nouvelles directions que prennent les productions autochtones aujourd’hui. De plus, pour donner écho à ces récits, quatre projections se tiendront dans la magnifique salle Alanis Obomsawin de l’Office national du film du Canada (ONF). 

Les RIDM vont également investir une toute nouvelle salle à Montréal, soit la Maison Théâtre, où se tiendront plusieurs grandes premières. Le Quartier latin devient ainsi le coeur battant de cette 29e édition, où les festivalier·ère·s pourront toujours se retrouver au QG situé à la Cinémathèque québécoise, lieu des incontournables Soirées RIDM. La programmation se déploiera sous de multiples formes, de la Rétrospective Bani Khoshnoudi : Territoires de mémoire au Focus sur les Balkans occidentaux : Brouiller les frontières, en passant par des installations, des performances et des séances d’écoute. Les RIDM feront également place aux familles avec des activités comme Ciné poupon (Gabin de Maxence Voiseux, Cannes 2026) et Première vue, qui mettra en lumière le travail de l’artiste et réalisatrice Alisi Telengut. Autant de propositions qui font du festival un rendez-vous rassembleur, qui rejoint plusieurs types de publics autour des multiples formes documentaires. 

Avant de conclure cette édition riche en découvertes, une remise des prix en formule 5 à 7 à la Cinémathèque québécoise se tiendra le samedi 28 novembre, suivie de la projection du documentaire canadien Ba’s Book de la réalisatrice Ashley Da-Lê Duong à la Maison Théâtre (245, Rue Ontario E). Connaissant un début de parcours impressionnant avec des sélections au TIFF, au VIFF, au BFI - Festival du film de Londres et au CIFF où il a remporté deux prix, ce film touchant et lumineux reconstitue certaines scènes d’un livre écrit par le père de la cinéaste, alors qu’elle et sa famille auscultent les impacts ainsi que l’héritage intergénérationnel de la guerre du Vietnam. 

Les cinéphiles pourront profiter du festival jusqu’au dimanche 29 novembre grâce à une dernière journée de projections qui couronnera cette 29e édition. 

P R O G R A M M A T I O N    C O M P L È T E

COMPÉTITION OFFICIELLE

COMPÉTITION INTERNATIONALE LONGS MÉTRAGES

Se démarquant par leur originalité, les films de cette compétition incarnent des démarches personnelles innovantes remarquables. 

Alea Jacarandas de Hassen Ferhani (France, Algérie) 

Doggerland de Kim Ekberg (Suède) 

Foam of Worlds de Anna Marziano (Italie, Allemagne) 

Hanabi de Ana Vaz (France, Brésil) 

Letters from an Inner Exile de Eloy Enciso Cachafeiro (Espagne) 

mother, you have not died yet. but you will. and when you do, you will finally be alive again. de Advik Beni (Afrique du Sud, États-Unis) 

Revolutionaries Never Die de Mohanad Yaqubi (Palestine, Belgique, Qatar) 

Virages de Céline Carridroit et Aline Suter (Suisse, France) 

COMPÉTITION NATIONALE LONGS MÉTRAGES

Du cinéma direct à la fiction hybride, en passant par les explorations esthétiques de tous genres, les films de cette compétition balisent l’étendue de la création dans le champ du documentaire d’ici. 

Ba’s Book de Ashley Da-Lê Duong (Québec/Canada) 

Concrete Turned to Sand de Jessica Johnson et Ryan Ermacora (Canada) 

Everything Else Is Noise de Nicolás Pereda (Canada, Mexique, Allemagne) 

Itilli Gathering de Myna Ishulutak et Aïda Maigre-Touchet (Canada, France) 

Mesdames et Messieurs, Brian Mulroney de Matthew Rankin (Québec/Canada) 

Partout et nulle part de François Jacob (Québec/Canada) 

Petit Tom de André-Line Beauparlant (Québec/Canada) 

COMPÉTITION MAGNUS-ISACSSON 

En l’honneur de ce documentariste montréalais bien-aimé, cette compétition regroupe des films nationaux témoignant d’une grande conscience sociale, à travers différentes approches documentaires marquantes. 

Ceremony de Banchi Hanuse (Canada) 

Des grues et des voix de Simon Plouffe (Québec/Canada) 

Inuguiniq de Olivia Ikey (Québec/Canada) 

LOUF de Aziz Zoromba (Canada) 

Pour que le silence ne l’emporte pas de Catherine Hébert et Elric Robichon (Québec/Canada) 

Un souffle à la fois de Steve Patry (Québec/Canada) 

Une zone d’échos de Emanuel Licha (Canada, Mexique) 

COMPÉTITION NOUVEAUX REGARDS

Une compétition consacrée à des premiers longs métrages internationaux et nationaux audacieux. 

Above the Waterline de Elisa Sepúlveda Ruddoff (Chili, France) 

An Incomplete Calendar de Sanaz Sohrabi (Canada, Iran, Turquie, Venezuela) 

Atcha Atcha de Mamadou Dia (Sénégal, France) 

Crossings: Kaleh Ziyarat de Rouzbeh Akhbari (Canada, Portugal, Oman, Iran) 

I Heard That They Are Not Going To See Each Other Anymore de Ka Ki Wong (Hong-Kong, Taïwan, Turquie, Royaume-Uni) 

In The Sweet Arms de Julian Flavin (Canada, États-Unis) 

La belle année de Angelica Ruffier (Norvège) 

Our Home Was Buried in a Land We Could Never Find de Deimer Quintero Vertel (Colombie) 

COMPÉTITION INTERNATIONALE COURTS ET MOYENS MÉTRAGES 

Les oeuvres de cette compétition affirment la richesse d’un format aux possibilités infinies. 

An Impossible Address de Suneil Sanzgiri (États-Unis, Angola, Inde) 

Drift de Jérémie Danon et Kiddy Smile (France) 

El León de Diana Bustamante (Colombie) 

Far away de Feguenson Hermogène (Cuba, Haïti) 

Forgotten Spaceman de Elham Ehsas (Afghanistan, Royaume-Uni) 

Fruits of Despair de Nima Nassaj (Iran) 

Gallinazo de Daniel Jacoby (Pérou, Pays-Bas) 

Gestures to break an Image de Mayra Villavicencio (Pérou) 

In Sum de Komtouch Napattaloong (Thaïlande) 

Intersecting Memory de Shayma’ Awawdeh (France, Palestine) 

Memories for A Private Eye #2 de Rania Stephan (Liban) 

Same Water de Martine Granby (États-Unis) 

See Through the Hollowed Blue Hellebore de Jiayi Chen (États-Unis) 

Singing of the Evening Stars de Iris Sang (Chine, Estonie, États-Unis) 

Visite guidée de Alba Jaramillo (France, Porto Rico) 

With Love and Rage de Bojina Panayotova (France) 

COMPÉTITION NATIONALE COURTS ET MOYENS MÉTRAGES 

Les oeuvres nationales témoignent de la liberté créative qu’offrent les courts et moyens métrages. 

A Hundred Years From Now de Arijit Debnath (Canada) 

Disappearance Is Not Death de Joyce Joumaa (Québec/Canada, Liban) 

Endless Sunlight de Tyson Houseman (Québec/Canada) 

Fly Fly Sadness de Ralitsa Doncheva (Canada, Bulgarie) 

Haralez: The Noisy Beginnings of the Cradle de Chantal Partamian (Canada, Liban) 

Invisible Landscape de Yen-Chao Lin (Québec/Canada) 

Living Containers de Kara Hansen (Canada, États-Unis) 

Plateformes de Karl Lemieux (Québec/Canada) 

searching for sara de Nada El-Omari (Québec/Canada) 

Teleplasm de Kate Solar (Canada) 

The Flower and the Flood de Elisa González (Canada) 

The holoRazutis of Saturna de Guillaume Vallée (Québec/Canada) 

The Other Spring de Monica Maria Moraru (Canada, Roumanie) 

P   A   N   O   R   A   M   A 

ESSENTIELS

Cette section rassemble les nouvelles oeuvres de cinéastes incontournables et les films événements de l’année festivalière.

Amílcar de Miguel Eek (Espagne, France, Portugal, Cap-Vert) 

From Dawn to Dawn de Xisi Sofia Ye Chen (Espagne, France) 

Memory de Vladlena Sandu (France, Pays-Bas) 

Once Upon a Time in Harlem de William Greaves et David Greaves (États-Unis) 

CONTRE-COURANT

Les films de cette section représentent des oeuvres audacieuses qui défient nos perceptions du monde et du cinéma.

L’estive de Lisa Debauche et Naël Khleifi (Belgique, France) 

The Wind Blows Wherever It Wants de Ivan Boiko (Géorgie) 

Tristan Forever de Tobias Nölle et Loran Bonnardot (Suisse) 

Tropical Fractals de Leonardo Pirondi (Portugal, Brésil) 

HORIZONS 

Cette section présente des films humains qui offrent des portraits uniques, qu’ils prennent la forme de longs ou de courts métrages.

Crocodile de Pietra Brettkelly et The Critics (Nigéria, Nouvelle-Zélande) 

Djeliya, mémoire du Mandé de Boubacar Sangare (Burkina Faso, Côte d’Ivoire, Mali, Sénégal) 

The Ultra Runner de Mila Aung-Thwin (Québec/Canada) 

Weeping Rocks de Kārlis Bergs (États-Unis) 

Berce-nous encore de Juliette Balthazard (Québec/Canada) 

Cueilli sous le bananier de Laura Kagumisha (Québec/Canada), réalisé dans le cadre de la résidence Regard sur Montréal 2026 du Conseil des arts de Montréal 

Quand Janet dort de Laurence Ly (Québec/Canada) 

Que notre voix l’emporte de Marianne Khayat (Québec/Canada) 

ÉTATS DU MONDE 

Des films puissants, qui exposent des formes de résistance, sont proposés dans cette section.

Citizen Osama de Ahmed Hassouna (Palestine, France) 

Ici, ailleurs de Comes Chahbazian (Belgique) 

KUBANA de Alunaya (Québec/Canada) 

La peur, la nuit de Christine Chevarie-Lessard (Québec/Canada) 

Nos ruines fertiles de David Sanchez (Québec/Canada) 

PROJECTIONS SPÉCIALES 

Les films de cette section ne seront projetés qu’une seule fois, à l’exception de Gabin qui sera également présenté dans le cadre de la projection Ciné poupon. 

Aanikoobijigan [ancestor / great-grandparent / great-grandchild] de Zack Khalil et Adam Khalil (États-Unis, Danemark) 

Cette maison et un programme de huit courts métrages de Miryam Charles (Québec/Canada), présenté dans le cadre du projet Regards croisés du Cinéma du Musée 

Gabin de Maxence Voiseux (France, Allemagne, Suisse) 

Projection hommage : Beyrouth, jamais plus et Beyrouth, ma ville de Jocelyne Saab (Liban) 

WAPIKONI

Pour mettre en lumière l’inventivité des créateur·ice·s autochtones et l’importance des enjeux qu’ils et elles exposent, les RIDM et le Wapikoni présentent sept courts métrages en première partie des films de la Compétition nationale longs métrages. Ces oeuvres sont l’occasion de découvrir de nouvelles voix et de célébrer le travail colossal accompli par le Wapikoni depuis 2004. 

En cette nuit de Sacheen Ruperthouse-Trapper (Pikogan/Canada) 

Là où le silence devient souffle de Marie-Andrée Chachai (Opitciwan/Canada) 

Les choses qui me font penser à toi, chez moi de Marie-Andrée Mckenzie (Uashat/Canada) 

Marcher vers la réconciliation de Félicia Vollant Dubé (Uashat Mak Mani-Utenam/Canada) 

Nicw mahikanak, Deux loups, Two Wolves de Terry Randy Awashish (Québec/Canada) 

On Postindian Survivance de Sioui One (Wendake/Canada) 

Yonnonhwe’ de France Tewatironnyon Gros-Louis-Morin (Wendake/Canada) 

FOCUS ET RÉTROSPECTIVES 

FOCUS SUR LES BALKANS OCCIDENTAUX : BROUILLER LES FRONTIÈRES 

S’appuyant sur les liens durables des RIDM avec DokuFest, Beldocs et MakeDox, le Focus de cette année réunira sept longs métrages et six courts métrages du Kosovo, de la Serbie et de la Macédoine du Nord. À travers des histoires intimes et des approches formelles audacieuses, les films explorent les liens entre identité, appartenance, mémoire collective et réalités géopolitiques, tout en révélant la pluralité et la richesse du cinéma documentaire contemporain des Balkans occidentaux. 

Disturbed Earth de Guillermo Carreras-Candi et Kumjana Novakova (Espagne, Bosnie-Herzégovine, Macédoine du Nord) 

Garder une montagne (To Hold a Mountain) de Petar Glomazić et Biljana Tutorov (Serbie, France, Monténégro, Slovénie) 

I Have Never Been on An Airplane de Redon Kika (Kosovo) 

Promised Spaces de Ivan Marković (France, Allemagne, Serbie, Cambodge) 

Sunset de Miloš Jaćimović (Serbie, Croatie, Monténégro) 

The Beauty of the Donkey de Dea Gjinovci (Kosovo) 

The Tale of Silyan de Tamara Kotevska (Macédoine du Nord) 

I Believe the Portrait Saved Me de Alban Muja (Kosovo) 

Inventory de Ivan Marković (Serbie) 

Mushrooms Grow in Memory de Hanis Bagashov (Macédoine du Nord) 

The Divine Feminine de Ivana Todorovic (Serbie) 

This Desirable Device de Mina Simendic (Allemagne, Serbie) 

Workers’ Wings de Ilir Hasanaj (Kosovo) 

Ce Focus est présenté avec le soutien du McGill Critical Media Lab (CML) et la venue des cinéastes Dea Gjinovci et Ilir Hasanaj est rendue possible grâce au soutien du Consulat général de Suisse à Montréal. 

RÉTROSPECTIVE BANI KHOSHNOUDI : TERRITOIRES DE MÉMOIRE 

Cinéaste, artiste visuelle et travailleuse d’archives, Bani Khoshnoudi crée depuis vingt ans des documentaires, des fictions, des films expérimentaux, des installations et des performances. Largement reconnu sur la scène internationale, son travail explore l’exil, le déracinement, la mémoire, la violence, la solidarité et la lutte pour la liberté, à travers les événements sociaux et politiques des deux dernières décennies qui se sont déroulés en Iran, en France et au Mexique, où elle est exilée. 

A People in the Shadows de Bani Khoshnoudi (Iran, Pays-Bas) 

Luciérnagas de Bani Khoshnoudi (Mexique, Grèce, République dominicaine) 

The Silent Majority Speaks de Bani Khoshnoudi (Iran, Pays-Bas) 

The Vanishing Point de Bani Khoshnoudi (Iran, États-Unis, France) 

CEM de Bani Khoshnoudi (France) 

El chinero, un cerro fantasma de Bani Khoshnoudi (France, Mexique) 

Elegy for the Forgotten, on an Endless War de Bani Khoshnoudi (Iran, France) 

Sap de Bani Khoshnoudi (Mexique, France, États-Unis) 

DÉCADRER LE DOCUMENTAIRE 

Regards croisés sur les différentes pratiques narratives. 

P E R F O R M A N C E S

vingt-cinq ans se sont écoulés entre nos dents de Sharlene Bamboat | 21 novembre

Une performance en direct accompagnée d’images en mouvement qui explore les stratégies de collaboration, de solidarité et d’activisme, ainsi que leurs tensions. Mêlant sons et images, l'oeuvre interroge le pouvoir transformateur du processus et notre façon d’exister aujourd’hui. Créée par Sharlene Bamboat, avec les performances de Emna Mâaref, Lia Plutonic, Mili Hong et Habib El Bardi, elle a été développée avec le soutien du Images Festival et de l’Institut d’art contemporain de Montréal (MICA). 

Constellations de Amanda Lickers et Miri Chekhanovich | 24 novembre 

Amanda Lickers et Miri Chekhanovich mettent en dialogue leurs pratiques de recherche-création pour explorer comment les lieux, la cartographie et la contre-cartographie passent par les corps et les matières. Après la projection d’un court métrage de chacune des artistes, une discussion sous la méthode du bocal à poissons, alimentée d’images, d’extraits de films et de recherches en ligne, interrogera les façons de représenter un lieu à partir des souvenirs, des émotions et des matières qui le composent. 

I N S T A L L A T I O N S

Plateformes de Karl Lemieux

Ce projet de cinéma expérimental documente le démantèlement de plateformes pétrolières, transformant un processus industriel en une expérience sensorielle où se rencontrent image, son et matière. L’installation ouvre un espace de réflexion sur notre rapport au territoire, au temps et aux transformations irréversibles du monde contemporain. Le vernissage de l’exposition aura lieu au centre d’artistes OBORO le vendredi 20 novembre à 17 h, en partenariat avec l’ONF. 

Scaffold, and what time has taught us (2012-2026) de Bani Khoshnoudi

Des images d’un passé pas si lointain, en boucle dans un présent douloureux. Présentée avec le soutien du Consulat général de France à Québec, cette installation visuelle a d’abord été dévoilée en 2012, alors que les réformes et la construction civique semblaient encore possibles dans l’Iran post-révolutionnaire. En 2026, ce passé se mêle à un présent où la population continue désespérément de réclamer le changement, mais se heurte à une répression sanglante et à des violences systématiques qui sacrifient la jeunesse au nom d’une idéologie ayant échoué. 

D I S C U S S I O N S

Leçon de cinéma : Bani Khoshnoudi | 21 novembre

À l’occasion de la Rétrospective Bani Khoshnoudi : Territoires de mémoire, la cinéaste parcourra l’ensemble de sa carrière, illustrée à l’aide d’extraits de ces oeuvres, afin de développer sur les réflexions politiques et artistiques qui animent son cinéma. 

Territoires en conversation : Voix des Balkans occidentaux | 24 novembre 

Rassemblant des cinéastes et des professionnel·le·s de Serbie, de Macédoine du Nord et du Kosovo, cette table ronde explore comment le cinéma contemporain des Balkans occidentaux aborde les frontières, la mémoire, l’appartenance et le territoire. Elle met en lumière une nouvelle génération de cinéastes qui remettent en question les frontières établies et les récits hérités, imaginent de nouvelles façons de se connecter à la région et les un·e·s aux autres, et ouvrent la voie à de nouveaux espaces de dialogue et de collaboration. 

Cinéma autochtone : Récits et nouvelles formes | 26 novembre

Pour une deuxième année, les RIDM, le Centre d’art daphne et la Coop Vidéo de Montréal s’unissent pour une conversation avec des cinéastes autochtones sur l’évolution des récits, des perspectives, des formes cinématographiques et des pratiques de création. Cette discussion, gratuite sur réservation, propose une réflexion collective sur les nouvelles directions des cinémas autochtones aujourd’hui. 

Discussion : Recherche rigoureuse et liberté formelle | 28 novembre

Cette table ronde vise à discuter du travail primordial de recherche et d’analyse qu’exige un projet de film documentaire, ainsi qu’à réfléchir aux manières dont ce contenu peut être étayé dans une démarche artistique affirmée. Elle réunira des cinéastes de la programmation des RIDM. 

ACTIVITÉS POUR TOUS LES ÂGES 

LA JOURNÉE DE LA RELÈVE | 20 novembre 

Pour la troisième année consécutive et avec le soutien de Tamron, les RIDM consacrent une journée entière à la relève afin d'introduire les jeunes cinéastes à l'écosystème du documentaire et de les aider à franchir le pont entre la fin de leurs études et leur entrée sur le marché professionnel. 

Brunch de réseautage 

Activité de réseautage, gratuite sur réservation, à destination des étudiant·e·s en compagnie de 10 expert·e·s de l’industrie documentaire, menée en collaboration avec l’École des médias de l’UQAM. 

Les films de la relève collégiale 

Pour une deuxième année, le festival présente sept courts métrages documentaires réalisés par des cégepien·ne·s récipiendaires d’une Mention RIDM. La sélection de cette édition réunit Grand-Pierre (Cégep du Vieux Montréal), Portes d’entrée (Cégep de Saint-Laurent), Je est Pluriel(le) (Cégep André-Laurendeau), Tant que nous sommes ici (Cégep de Sainte-Foy), Regard bleu (Collège Dawson), Laisse-toi aller ma Francine (École des métiers du cinéma et de la vidéo - ÉMCV) et Porte bonheur (Cégep Montmorency). 

Leçon de cinéma : Aziz Zoromba 

Le cinéaste Aziz Zoromba viendra discuter du processus de création de LOUF, son premier long métrage, ainsi que de ses projets précédents. Le public est invité à participer à cet échange, coprésenté par le PCCQ, sur les enjeux auxquels font face les jeunes cinéastes et les défis à la réalisation d’un premier long métrage. 

5 à 7 de la relève 

Babyfoot, jeux de société, pizzas, poufs et ambiance chaleureuse : la Salle Norman-McLaren de la Cinémathèque québécoise se transforme en café étudiant le temps d’un 5 à 7 coprésenté par Radio-Canada. 

La Soirée de la relève Radio-Canada 

Animée par Alexis De Lancer, cette soirée permet de découvrir des courts métrages documentaires de cinéastes de la relève québécoise. Un jury de professionnel·le·s remettra au·à la lauréat·e une bourse de soutien de 10 000 $ offerte par Radio-Canada. Une sélection des films sera ensuite disponible gratuitement sur ICI TOU.TV du 21 novembre au 21 décembre 2026. 

Bubba de Kayli Koonar (Québec/Canada) 

Ce que nous cachent les arbres de Mia Lainey (Québec/Canada) 

Le chant du chou de Marie Odile Paquin (Québec/Canada) 

Le croque-mort de Alain James Rioux Dubé (Québec/Canada) 

Nécrose de Jessica Lynch (Québec/Canada) 

Prayer for All Simple Things de Diego Rojas (Québec/Canada) 

ACTIVITÉS FAMILLE 

Première vue | 22 novembre 

la lumière collective présente un programme de courts métrages de l’artiste et réalisatrice Alisi Telengut, suivi d’un atelier pour les jeunes de 5 à 17 ans. En petits groupes, ils et elles créeront des images animées directement sous la caméra, mettant en mouvement des paysages image par image. 

Séance d’écoute | 22 novembre 

Radio-Canada invite le public à participer à une séance d’écoute du balado C’est comment? Les ados te disent la vérité, animée par Claudie Mercier, afin de jaser d’adolescence, d’anxiété et de famille. 

Ciné poupon | 29 novembre 

Une projection spéciale, pensée pour les parents avec bébés et jeunes enfants, aura lieu à la Cinémathèque québécoise. Dans des conditions adaptées — lumières douces, volume réduit, service de gardiennage et ateliers créatifs — le long métrage documentaire Gabin sera présenté, pour un moment de cinéma convivial, apaisant et sans soucis coprésenté par La Lune Sitters. 

La parole aux enfants! | 29 novembre 

Les RIDM invitent les jeunes à visionner des extraits captivants de La parole aux enfants!, une série de capsules réalisées par André Melançon à l'occasion de l’Année internationale de l’enfance en 1979. Le réalisateur y questionnait les jeunes sur la colère, la joie, le travail, les extraterrestres... ?! Dans un atelier ouvert aux enfants de 5 à 12 ans, les participant·e·s apprendront ensuite à réaliser une première entrevue documentaire en équipe. Cette activité est coprésentée par Tënk. 

ACTIVITÉS SPÉCIALES 

Bières et Caméras | 22 novembre

Pour la deuxième année, les RIDM proposent une balade photo à travers les rues de Montréal, en collaboration avec Bières et Caméras. Le départ se fera à la fontaine du square Saint-Louis : les intéressé·e·s n’ont qu’à apporter leur caméra préférée pour participer à une marche d’environ 2 heures jusqu’à la Cinémathèque québécoise, où des dégustations seront offertes par la microbrasserie montréalaise Dieu du Ciel!. 

Enregistrement du balado : Le monde dans mes oreilles avec Ivan Marković | 26 novembre

Animé par Caroline Marcoux-Gendron, professeure associée au Département de musique de l’UQAM, le balado Le monde dans mes oreilles diffusé sur CHOQ.ca, donne la parole à des personnes immigrantes à travers les musiques qui marquent leur parcours. Pour sa nouvelle saison, coprésentée par les RIDM et consacrée aux Balkans occidentaux, une émission spéciale sera enregistrée en direct avec le cinéaste Ivan Marković, dont les films sont présentés dans le cadre du Focus territorial.

SOIRÉES FESTIVES

19 novembre : Soirée d’ouverture avec DJ Catherine Piché 

20 novembre : Party de la relève : Complètement Bingo! - présenté par Plein(s) Écran(s) 

21 novembre : Performance vingt-cinq ans se sont écoulés entre nos dents + Soirée festive avec DJ Lia Plutonic 

23 novembre : Soirée de lancement LOUF - présentée par l’ONF 

24 novembre : Performance Constellations + VISIONS fête ses 12 ans 

25 novembre : Soirée Karaoké! 

26 novembre : Soirée Balkans Occidentaux : Performance musicale de Blerta Kosova - présentée avec le soutien du Consulat général de France à Québec 

27 novembre : Soirée de lancement double : Nos échos dans les ruines (Nos ruines fertiles et Des grues et des voix) - présenté par SPIRA et Vidéographe 

28 novembre : Soirée de clôture : Chez Ba - présentée en collaboration avec Super Boat People 

REMISE DE PRIX 

Pour terminer le festival en beauté, les cinéphiles sont conviés à la remise des treize prix, en présence des jurys et des cinéastes. La cérémonie se tiendra à la Salle Norman-McLaren de la Cinémathèque québécoise le 28 novembre à 17 h.

Grand prix de la compétition internationale longs métrages 

Prix spécial du jury de la compétition internationale longs métrages 

Grand prix de la compétition nationale longs métrages - présenté par le Fonds des médias du Canada (FMC) et PRIM 

Prix spécial du jury de la compétition nationale longs métrages - présenté par Post-Moderne 

Prix Nouveaux Regards - présenté par la SCAM et FIPRESCI 

Prix du meilleur court ou moyen métrage international

Prix du meilleur court ou moyen métrage national - présenté par la Coop Vidéo, CineGround et SLA Location

Prix spécial du jury de la compétition nationale courts ou moyens métrages - présenté par Paraloeil Prix Magnus-Isacsson - présenté par DOC Québec, l’ARRQ, Funambules Médias, Cinema Politica et Main Film

Prix du jury étudiant - présenté par la Caisse Desjardins du Plateau-Mont-Royal

Prix du jury des détenues - en collaboration avec la Société Elizabeth Fry du Québec

Prix de la Soirée de la relève Radio-Canada - présenté par Radio-Canada

Prix du public - présenté par Télé-Québec

TARIFS - PASSEPORTS ET BILLETS

Passeport RIDM : 150 $ (Étudiant·e·s & 65 ans et plus : 125 $)

Passeport RIDM + Forum : 300 $

Passeport RIDM + Forum + Face-à-Face : 490 $

Passeport Forum Étudiant·e·s : 50 $

Billet individuel : 15 $ (Étudiant·e·s & 65 ans et plus : 12.50 $)

Billet individuel - Discussion du Forum RIDM : 10 $

Séance d’ouverture : 16.50 $

Billet activité famille : 12.50 $

Carnet de 5 billets : 60 $

La 29e édition des RIDM se déroulera du 19 au 29 novembre 2026

à la Cinémathèque québécoise, à la Maison Théâtre, au Cinéma du Parc, au Cinéma du Musée, à l’Office national du film du Canada (ONF), à BAnQ, à l’Auditorium de Concordia, au centre d’artistes OBORO, au Centre d’art daphne et au Centre Pierre-Péladeau. 

¿Quién es el diplomático que representa a México en Montreal y qué camino lo llevó hasta esta ciudad? A partir de esa pregunta, Orbita Popular conversó con Víctor Manuel Treviño Escudero sobre una trayectoria que atraviesa distintos continentes, destinos y responsabilidades. De sus primeros años en el servicio consular a sus misiones diplomáticas en países de América, Oceanía y África, la conversación permite acercarse a una carrera de más de cuatro décadas y conocer las experiencias que han definido su manera de representar a México.

Entrevista por: Frida Velarde y Sofía García-Broca

La carrera diplomática suele asociarse con embajadas, reuniones oficiales y encuentros protocolarios. Sin embargo, una parte importante de ese trabajo comienza lejos de los espacios ceremoniales: en hospitales, centros de detención, cárceles y lugares de trabajo donde ciudadanos mexicanos necesitan asistencia. Para Víctor Manuel Treviño Escudero, ese contacto directo fue una de las primeras experiencias de su trayectoria en el Servicio Exterior Mexicano, al que ingresó en 1982.

En sus primeros años se desempeñó como canciller de protección, una función que lo llevó a visitar distintos centros y campos de trabajo, particularmente en Estados Unidos. Allí conoció de cerca las circunstancias de mexicanos que atravesaban situaciones difíciles y requerían orientación, acompañamiento o la intervención de su representación consular. Fue una etapa que lo acercó a una de las responsabilidades esenciales del servicio exterior: proteger los derechos y la dignidad de los mexicanos fuera de su país.

Su ingreso se produjo mediante el concurso de carrera del Servicio Exterior Mexicano. Treviño Escudero subraya la naturaleza institucional de esta profesión: quienes forman parte del servicio son funcionarios del Estado, no representantes de una filiación partidista. A lo largo de más de cuatro décadas ha trabajado bajo distintas administraciones y en contextos políticos muy diferentes, una continuidad que forma parte de la propia carrera diplomática.

Víctor Manuel Treviño Escudero, cónsul general de México en Montreal, durante la entrevista con Frida Velarde, directora de Orbita Popular, en las oficinas del Consulado de México en Montreal.

Una trayectoria entre continentes

Su recorrido profesional lo llevó por destinos como Belice y Brasil, así como por distintas ciudades de Estados Unidos, entre ellas Brownsville, El Paso y Los Ángeles. En esta última asumió temporalmente la responsabilidad de la representación consular mexicana. «Fui cónsul encargado del consulado más grande de México, que es Los Ángeles», recuerda, aludiendo a una de las sedes consulares de mayor actividad del país en el exterior, que atiende a una extensa comunidad mexicana en la región.

Más adelante fue jefe de Cancillería en Australia y, entre 2016 y 2024, embajador de México en Etiopía. Durante su etapa africana tuvo también acreditación concurrente en Yibuti, Somalia y la República Democrática del Congo, y representó a México ante la Unión Africana. Se trató de una misión prolongada, que coincidió primero con la pandemia y después con el conflicto armado en Etiopía, circunstancias que también tuvieron consecuencias para su vida familiar.

Otro capítulo de su trayectoria estuvo relacionado con Guatemala. Desde la Secretaría de Relaciones Exteriores participó en el proceso diplomático que acompañó las negociaciones entre el gobierno guatemalteco y la Unidad Revolucionaria Nacional Guatemalteca (URNG), dentro del grupo de países amigos que contribuyó a facilitar el diálogo. Recuerda especialmente la firma de los acuerdos de paz, en diciembre de 1996, después de años de conflicto armado.

Miembros de la Unidad Revolucionaria Nacional Guatemalteca (URNG) esperan recibir sus certificados tras completar un proceso de desmovilización, durante el cual adquirieron competencias que los prepararán para la vida civil. Foto: Naciones Unidas [fecha exacta desconocida].

La representación consular es una responsabilidad de Estado que implica asumir destinos y responsabilidades de acuerdo con las necesidades de la política exterior mexicana. Aunque las misiones suelen tener una duración promedio de entre dos y cinco años, la decisión sobre su permanencia corresponde a las autoridades del Ejecutivo. Al referirse a esta disposición institucional, el cónsul lo expresa sin rodeos: «La jefa del Ejecutivo, la presidenta, es quien determina la duración de los mandatos. Cuando ella decida, uno, como un soldado, a donde lo envíen». Una frase que deja entrever una concepción del servicio diplomático en la que representar a México supone también estar dispuesto a hacerlo donde el país lo requiera.

Treviño Escudero cuestiona el estereotipo que asocia la diplomacia con cócteles y recepciones. Explica que buena parte de la labor consular transcurre lejos de esos espacios: en el contacto cotidiano con las personas, el acompañamiento a la comunidad y la atención a sus necesidades. Una dimensión del servicio público que, lejos de convertirse en rutina, sigue siendo para él una fuente de motivación. «Después de 40 años, cada mañana salgo de casa a la oficina con una gran alegría y motivación, pensando que voy a tener un nuevo día», comenta.

México más allá de sus fronteras: comunidad, trabajo y reconocimiento

Al referirse a parte de la comunidad mexicana en Quebec, Treviño Escudero destaca particularmente el perfil de quienes ya han establecido su vida en la provincia: profesionistas de distintas disciplinas, ingenieras e ingenieros, médicos, especialistas en robótica e informática, emprendedores y personas vinculadas con las universidades. Se trata, en buena medida, de residentes permanentes y ciudadanos canadienses con un alto nivel educativo, trilingues. Para el cónsul, estas características también plantean una relación distinta con la representación diplomática, marcada por un mayor nivel de exigencia. «Esta no es una comunidad a la que haya que ir guiando. Por el contrario, es una comunidad que me impulsa, me empuja, me exige; nos exige» señaló. Su reflexión apunta a una comunidad que no espera una conducción paternalista, sino que, desde su propia preparación y experiencia, plantea demandas y expectativas a la representación mexicana.

El reconocimiento de quienes han emigrado también ha encontrado expresión en el discurso de la presidenta Claudia Sheinbaum Pardo, quien ha dado visibilidad al papel de los mexicanos que viven fuera de México. Durante las dos ultimas ceremonias del Grito de Independencia, incluyó entre sus arengas un saludo explícito: «¡Vivan nuestras hermanas y hermanos migrantes!». La mención, incorporada a una de las ceremonias cívicas más representativas de México, coloca a quienes han emigrado dentro de la narrativa nacional y recuerda que su vínculo con el país no termina al cruzar sus fronteras.

En Quebec, una de las expresiones más concretas de esa relación entre México y sus ciudadanos en el exterior se encuentra en el Programa de Trabajadores Agrícolas Temporales (PTAT), establecido entre ambos países en 1974. A lo largo de cinco décadas, este mecanismo de movilidad laboral ha permitido que miles de mexicanos se incorporen temporalmente a las actividades agrícolas canadienses. Para muchos, la experiencia se convierte en un ciclo que se repite año tras año: viajar a Canadá para trabajar durante buena parte de la temporada agrícola y regresar a México al concluir sus contratos.

Víctor Manuel Treviño Escudero, cónsul de México en Montreal, se reúne con trabajadoras agrícolas mexicanas del programa PTAT durante una visita a la granja fresera FraiseBec, en Quebec. En el encuentro, representantes de los consulados generales de México y Guatemala, junto con sus respectivos equipos de Protección Consular, brindaron orientación sobre derechos laborales a más de 160 trabajadoras.

El acompañamiento consular no se limita a la atención desde las oficinas. Incluye visitas a las explotaciones agrícolas, orientación e intercambio directo con los trabajadores. Treviño Escudero menciona especialmente a la granja de fresas FraiseBec, donde conoció a trabajadoras mexicanas procedentes de Guanajuato que compartían las labores con trabajadoras guatemaltecas. El encuentro permite reconocer también la presencia de las mujeres en un programa históricamente integrado en su mayoría por hombres. Aunque su participación sigue siendo minoritaria, las trabajadoras mexicanas forman parte de esta movilidad laboral desde hace décadas y han ido ganando presencia en sus distintas temporadas.

El cónsul reconoce la continuidad de las relaciones entre algunos trabajadores y empleadores, pero también los desafíos que acompañan a esta modalidad de empleo. La temporalidad de los contratos, el aislamiento, las barreras lingüísticas, las condiciones laborales y la distancia de las familias forman parte de una realidad que requiere atención. Los contratos pueden prolongarse hasta ocho meses, un periodo considerable para quienes dejan su entorno familiar y comunitario en México.

En ese contexto, la protección consular tiene una función que va más allá de la orientación administrativa. Las visitas y el contacto con los trabajadores permiten conocer sus circunstancias y mantener abiertos canales de comunicación. El PTAT representa así una de las relaciones laborales más duraderas entre México y Canadá, pero también un ámbito en el que la cooperación bilateral debe traducirse en atención y acompañamiento concretos.

Una trabajadora agrícola recolecta fresas en la plantación de FraiseBec, en Quebec, como parte del Programa de Trabajadores Agrícolas Temporales (PTAT). Foto: FraiseBec (fraisebec.com).

La experiencia de estos trabajadores permite observar otra dimensión de la migración: su impacto en las economías y los hogares mexicanos. La contribución de quienes trabajan temporalmente en Canadá forma parte de un fenómeno mucho más amplio, el de las remesas que millones de mexicanos envían desde el extranjero a sus familias. En 2025, México recibió alrededor de 61,777 millones de dólares por este concepto, frente a cerca de 34,992 millones de dólares en ingresos por turismo internacional. Más allá de su dimensión económica, estos recursos representan un sostén para numerosos hogares y comunidades en el país.

Al abordar este tema, Treviño Escudero explicó por qué considera que el reconocimiento a los migrantes debe ir acompañado de una política de atención: «Las remesas en México son muy importantes. Es el principal ingreso, más que el turismo. Y muchas veces dicen: ¿por qué el Gobierno de México se ufana tanto de las remesas? Porque cuidamos a nuestros migrantes, estamos acompañándolos, porque valoramos que son héroes para nuestra economía también; por eso es que los cuidamos».

En sus palabras, el cónsul vincula el acompañamiento a los mexicanos en el exterior con el reconocimiento de su contribución al país. Detrás de las cifras hay personas que trabajan lejos de sus familias, tanto quienes han establecido una nueva vida en Canadá como quienes cruzan la frontera cada temporada para incorporarse a las labores agrícolas. Hombres y mujeres cuyo esfuerzo sostiene hogares en México y mantiene vivos, a través del trabajo y los vínculos familiares, los lazos con su país de origen.

La cultura como espacio de encuentro

La labor del Consulado en Montreal comprende también la promoción cultural. Para Treviño Escudero, esta dimensión es importante para ampliar el conocimiento de México en Quebec y construir relaciones que no se limiten al intercambio institucional o comercial. «La diplomacia cultural es esencial para fortalecer nuestra relación», afirma.

Durante la conversación, Treviño Escudero recuerda algunas de las iniciativas impulsadas para acercar distintas expresiones de la creación mexicana al público de Montreal. Entre ellas menciona la presentación de Pedro Páramo en la Universidad Concordia, acompañada de un encuentro virtual con integrantes del equipo de la película; una charla con el artista Rafael Lozano-Hemmer y la Dra. Fernanda Pérez Gay; así como el trabajo de Betsabeé Romero, quien participó en proyectos como Tejiendo Redes y en la elaboración de una ofrenda de Día de Muertos.

Estos ejemplos muestran distintas posibilidades de colaboración entre artistas, instituciones y espacios culturales de ambos territorios. El desafío consiste en dar continuidad a esos intercambios y ampliar los vínculos con universidades, museos, festivales y organizaciones culturales. En ese sentido, la incorporación de Felipe González Lugo Méndez como agregado cultural representa un nuevo recurso para el trabajo de la representación mexicana en Montreal. Antes de asumir esa responsabilidad, había desempeñado funciones relacionadas con la protección consular y el PTAT.

México y Canadá: nuevas oportunidades

La relación entre México y Canadá también atraviesa un momento de reajuste en el contexto norteamericano. Las tensiones comerciales con Estados Unidos, los aranceles y las iniciativas de apoyo al consumo nacional en Canadá han puesto de relieve la importancia de diversificar las relaciones económicas y fortalecer los vínculos entre los dos países.

En este escenario, el Tratado entre México, Estados Unidos y Canadá (conocido en Canadá como CUSMA) continúa siendo un marco central para la relación comercial de América del Norte. La visita del primer ministro Mark Carney a México, en septiembre de 2025, y el anuncio de una asociación estratégica integral entre ambos gobiernos fueron señales del interés por ampliar la cooperación en áreas como comercio, energía, infraestructura, agricultura y salud.

El primer ministro canadiense Mark Carney y la presidenta mexicana Claudia Sheinbaum, entrando a Palacio Nacional en la Ciudad de México.  Foto: Getty Images/Manuel Velasquez

Para el Consulado en Montreal, la promoción turística constituye otra vía para estrechar los vínculos entre México y Quebec. Treviño Escudero explica que la ciudad se ha incorporado a las actividades de promoción de la Secretaría de Turismo de México, encabezada por Josefina Rodríguez Zamora, mediante roadshows en los que distintos estados presentan su oferta turística ante profesionales del sector. Menciona también la participación mexicana en el Salon International Tourisme Voyages, donde se promueven destinos como Los Cabos, la Riviera Maya, Guadalajara, Puerto Vallarta y Tampico, además de la oferta turística de todo el estado de Yucatán.

La colaboración con medios de comunicación y equipos de producción forma parte de esa estrategia. Durante la entrevista, el cónsul habla de viajes de prensa y proyectos audiovisuales relacionados con la Ruta Maya y el Tren Maya, así como del interés de periodistas del diario Le Devoir y otros equipos por mostrar distintas maneras de recorrer México. Son iniciativas que buscan ampliar la imagen del país más allá de sus destinos turísticos tradicionales y acercar sus regiones a nuevos públicos.

Treviño Escudero considera que el contexto actual de las relaciones entre Canadá y Estados Unidos también puede abrir nuevas oportunidades para el turismo mexicano. Como ejemplo, recuerda una conversación con François Legault, entonces primer ministro de Quebec, después de que este visitara Puerto Vallarta. Según relata, Legault le comentó que, si los quebequenses contemplaban viajar fuera de Canadá, México podía ser una alternativa frente a los destinos estadounidenses. Para el diplomático, este tipo de acercamientos representa una oportunidad para fortalecer la presencia de México en el mercado turístico canadiense.

Al hablar de la proyección internacional de México, Treviño Escudero recupera con énfasis una expresión que la presidenta Claudia Sheinbaum ha utilizado para describir el momento que vive el país: «México está de moda». La frase alude a un interés que va más allá de sus destinos turísticos y que alcanza también su gastronomía, sus tradiciones, su patrimonio histórico y la diversidad de sus expresiones culturales. Desde la celebración del Día de Muertos hasta los grandes acontecimientos internacionales que sitúan al país en el centro de la atención mundial, México proyecta una identidad cultural de profundas raíces prehispánicas y mestizas, que encuentra nuevas formas de dialogar con públicos de distintas procedencias. Para el cónsul, este momento representa una oportunidad para seguir dando a conocer al país más allá de sus fronteras.

A lo largo de su trayectoria, Víctor Manuel Treviño Escudero ha conocido distintas formas de ejercer la representación de México: desde la protección de ciudadanos en situaciones vulnerables hasta la interlocución con gobiernos, la promoción cultural y el fortalecimiento de los vínculos económicos y turísticos. En Montreal, esas responsabilidades convergen en una ciudad que reúne una comunidad mexicana diversa, relaciones laborales de larga trayectoria y oportunidades de intercambio entre México y Quebec. Su recorrido permite observar que la diplomacia no se limita a los encuentros oficiales ni a las relaciones entre gobiernos: también se construye en el contacto cotidiano con las personas, en la atención a sus necesidades y en la posibilidad de abrir nuevos espacios de colaboración.

Después de más de cuatro décadas en el Servicio Exterior Mexicano, su mirada permanece puesta en lo que mucho que puede construirse entre ambos países. Al hablar de las perspectivas de esta relación, Treviño Escudero deja una última reflexión que resume su disposición ante los retos y posibilidades de su actual encomienda en el contexto presente: «Tenemos una gran oportunidad» concluye.

Del 8 al 18 de octubre de 2026, el Festival du nouveau cinéma (FNC) de Montreal celebró su 55.ª edición con cerca de 200 obras procedentes de más de 30 países, distribuidas en seis sedes de la ciudad. De vocación generalista, el festival no se limita a un género cinematográfico ni a una forma particular de producción. Como ha señalado Zoé Protat, su línea editorial encuentra un punto de unión en el cine de autor, desde películas de gran presupuesto hasta propuestas independientes realizadas con medios mínimos, incluso bajo la lógica del do it yourself (DIY). Más que una categoría estética cerrada, el FNC parece defender una manera de entender el cine que privilegia la singularidad de las miradas y la libertad de sus formas.

En esta edición, mi experiencia estuvo marcada especialmente por cuatro programas de cortometrajes que, desde perspectivas muy distintas, me permitieron observar cómo esa diversidad se traduce en la selección y en la relación que se establece entre las películas y sus espectadores. Para comprender la identidad actual del festival, sin embargo, conviene recordar sus orígenes.

Los orígenes: abrir espacio a otras cinematografías

Claude Chamberlan y Dimitri Eipides junto a John Lennon y Yoko Ono durante su bed-in por la paz en Montreal (1969). Dos años después, en 1971, Chamberlan y Eipides fundaron el festival, originalmente llamado Festival international du cinéma en 16 mm de Montréal.

Fundado en Montreal en 1971 por Claude Chamberlan y Dimitri Eipides, el Festival du nouveau cinéma nació con la voluntad de abrir espacio a películas que quedaban al margen de los circuitos habituales de distribución. Ambos fundadores compartían una vocación por descubrir nuevas voces y acercar al público cinematografías que difícilmente encontraban lugar en las salas comerciales.

Chamberlan fue una figura central de la exhibición independiente en Montreal y un incansable descubridor de películas y cineastas. Creía en la importancia de llevar a Quebec las obras que lo habían conmovido en otros festivales y de preservar espacios físicos donde el cine independiente pudiera encontrarse con sus espectadores. Eipides, por su parte, desarrolló una trayectoria internacional como programador en festivales de Montreal, Toronto, Tesalónica y Reikiavik. Su trabajo contribuyó a dar visibilidad a cineastas y cinematografías de distintas regiones, y a establecer conexiones entre comunidades cinematográficas que de otro modo difícilmente habrían coincidido.

Más de medio siglo después, el legado de sus fundadores invita a mirar el FNC más allá de su selección de títulos. La cuestión no es únicamente qué películas presenta, sino qué lugar les concede y cómo invita al público a encontrarse con ellas.

Una programación, múltiples formas de descubrir el cine

La amplitud de la programación se reflejaba también en sus distintas secciones: las competiciones Internacional y Nacional, Panorama international, Les Incontournables (Los imprescindibles), Histoire(s) du cinéma, Les Nouveaux Alchimistes (Los nuevos alquimistas), Temps Ø y P'tits Loups (Lobeznos), además de las presentaciones especiales. A ellas se sumaba el programa RPCÉ, dedicado a una nueva generación de cineastas en formación en Canadá. En conjunto, estas secciones reunían distintas tradiciones cinematográficas, propuestas experimentales, obras destinadas al público infantil y encuentros con películas de diferentes épocas, sin reducir la experiencia del festival a un solo género o circuito de producción.

Cuatro programas, cuatro experiencias

Durante mi visita a la Cinémathèque québécoise asistí a tres programas de cortometrajes en una misma jornada. La experiencia fue reveladora precisamente porque no hubo una única manera de aproximarse al cine breve: cada selección propuso un recorrido distinto, tanto por sus lenguajes como por las reacciones que despertó en la sala.

RPCÉ: el entusiasmo de una nueva generación

Entre las instituciones que descubrí al acercarme a esta edición del FNC está L'inis, sigla del Institut national de l'image et du son (Instituto Nacional de la Imagen y del Sonido), un centro de formación profesional de Montreal especializado en cine, televisión y documental. Su presencia en el festival está vinculada a las RPCÉ: Rencontres pancanadiennes du cinéma étudiant (Encuentros pancanadienses de cine estudiantil), una iniciativa creada por el FNC en 2014 para apoyar al cine emergente y propiciar el encuentro entre estudiantes de cine de distintas escuelas canadienses. Además de una competencia de cortometrajes estudiantiles, las RPCÉ incluyen talleres, conferencias y actividades de intercambio profesional. L'inis participa como institución colaboradora y escuela anfitriona, y sus producciones cuentan con un programa propio dentro de la selección.

El programa RPCÉ reunió seis cortometrajes: Le sang n'est rien, Combustion, La Grande Cena de Fay, La dose parfaite, Noël Vert y L'entrevue. Concebido como un espacio de apoyo e intercambio para cineastas en formación, el programa compartía, pese a la diversidad de sus historias, un interés por las reacciones humanas y por la tensión que puede surgir de ellas.

También había una evolución perceptible en el tono del programa. Hacia su segunda mitad, el suspenso daba paso en algunos cortometrajes a un humor cercano a la farsa, por momentos ligeramente absurdo, mientras que tres de las seis películas optaban por desenlaces “felices”. Esa alternancia entre tensión, comedia y resolución contribuía a la variedad de la sesión, sin que las películas perdieran su interés por las contradicciones y reacciones de sus personajes.

La respuesta del público fue especialmente entusiasta. La sala, con una presencia notable de espectadores jóvenes, reaccionaba con energía al final de cada cortometraje, entre aplausos y vítores. El ambiente tenía algo de celebración colectiva y hacía evidente la conexión que se había establecido entre las películas y quienes las veían.

New Alchemists: experimentar con la imagen, el tiempo y el sonido

El tono fue diferente en New Alchemists Competition 4, una selección de seis obras que elegí precisamente por su aproximación multidisciplinaria y por la diversidad de sus lenguajes cinematográficos. Aquí el cine se alejaba de las estructuras narrativas más convencionales y abría espacio a la experimentación formal, a distintas maneras de trabajar con la imagen, el tiempo y el sonido.

Entre las piezas, Forever... Forever, del cineasta austríaco Johann Lurf, destacó por su trabajo visual en 35 mm y su duración de 21 minutos. La película construía una experiencia temporal que evocaba el paso del día a la noche, con una atención particular a las transformaciones de la luz, el ritmo y el sonido. En una secuencia, ciertos efectos sonoros que recordaban al trueno provocaron reacciones espontáneas de sorpresa en la sala, seguidas de risas y aplausos. Fue uno de esos momentos en que una película experimental, sin necesidad de explicar su procedimiento, encontraba una respuesta directa en el público.

También estuvo presente el realizador de Parie 6, una de las propuestas más abstractas y matéricas del programa. Su participación tuvo un carácter informal y cercano, lejos de la solemnidad que a veces acompaña los encuentros posteriores a una proyección. Esa naturalidad contribuyó a que la sesión se sintiera como un espacio de intercambio, no solamente como una exhibición de obras terminadas.

International Competition: distintas geografías, otras miradas

La tercera selección de aquella jornada, International Competition 1, reunió cuatro cortometrajes procedentes de México, Perú, Sudán y Somalia: For the Opponents, Nobody Knows the World, Nothing Happens After Your Absence y Whispers of a Burning Scent. La diversidad geográfica y cultural era uno de los rasgos más evidentes del programa, aunque su interés no se limitaba a la procedencia de las películas. Las cuatro propuestas me parecieron estimulantes y relativamente equilibradas en su capacidad para despertar curiosidad. La selección permitía pasar de un contexto a otro sin imponer una única forma de representar el mundo ni una misma idea de lo que debe ser un cortometraje.

Sentarme junto al director de una de las películas peruanas añadió otra dimensión a la experiencia. La presencia de cineastas invitados, también perceptible en el programa de New Alchemists, acercaba las obras a quienes acabábamos de verlas. La película dejaba de ser un objeto distante en la pantalla y se convertía en el punto de partida de una conversación posible.

National Competition: el humor como punto de encuentro

Días después, asistí al programa National Competition 1, que presentó cinco cortometrajes: Pacific Spirit, Footsteps On The Ceiling, Et qu'en pensent les cochons?, Between Late April and Early May y Skinny Bottines. La sesión volvió a mostrar una faceta distinta del cine breve, con propuestas que incorporaban el humor en diferentes grados. La sala estaba prácticamente llena y el público, compuesto en buena parte por jóvenes adultos, respondió con entusiasmo.

Tres invitados participaron en el encuentro posterior: un productor y dos directores. Me llamó la atención el tono horizontal de la conversación, conducida de manera natural y sin prolongarse innecesariamente. Las presentaciones y preguntas permitieron conocer algo más de las películas sin convertir el intercambio en un acto rígido ni agotar la atención de los asistentes.

Skinny Bottines, de Romain F. Dubois, fue una de las obras que despertó mayor simpatía entre el público. Más tarde supe que había recibido el Premio del Público presentado por SLA Locations en la competencia nacional de cortometrajes, un reconocimiento que coincidía con la buena recepción que había observado en la sala.

Considerados en conjunto, estos cuatro programas reunieron veintiún cortometrajes y cuatro experiencias muy diferentes. Lo significativo no fue que todas las películas me convencieran por igual, sino que cada selección parecía responder a una intención reconocible. La ficción, la experimentación y las distintas procedencias culturales convivían sin que el formato breve quedara reducido a una categoría secundaria.

La sala también forma parte del festival

En las sesiones que pude ver, el público tuvo una presencia activa. Hubo salas llenas, aplausos, risas y reacciones espontáneas; también espectadores que permanecían atentos ante propuestas más abstractas, sin que la falta de una narración convencional pareciera impedir su implicación. Estas observaciones corresponden a las funciones a las que asistí, pero fueron lo suficientemente constantes como para convertirse en una parte importante de mi experiencia del festival.

La Cinémathèque québécoise, en particular, me pareció un lugar propicio para ese encuentro. Pasar allí una jornada completa, entre proyecciones y conversaciones con cineastas, me permitió percibir el espacio como algo más que una sede: durante esas horas, parecía convertirse en un punto de reunión compartido por espectadores, realizadores y personas interesadas en explorar otras formas de cine.

También me interesó la naturalidad de los encuentros con los invitados. No todas las sesiones necesitaban una conversación extensa para generar cercanía. A veces bastaba una presentación breve, una respuesta del director o una reacción colectiva para prolongar la experiencia de la película más allá de la pantalla. En un festival dedicado al descubrimiento, ese contacto importa: ayuda a que las obras circulen no solo como títulos dentro de una programación, sino como propuestas que pueden discutirse, cuestionarse y recordarse.

Seguir al lobo y a la loba

Otra de las características más visibles de esta edición fue su identidad gráfica. Para celebrar su 55.º aniversario, el FNC presentó una nueva imagen articulada en torno a las figuras del lobo y la loba, los contrastes de color y una estética dinámica. En las distintas sedes que recorrí, esta identidad estaba presente en los logotipos, las animaciones, las viñetas, los fondos de pantalla y los diferentes soportes visuales que acompañaban las proyecciones.

Desde mi perspectiva como diseñadora gráfica, aprecié especialmente la consistencia de esta propuesta. No se trataba únicamente de tener un cartel atractivo, sino de desarrollar un lenguaje visual reconocible que acompañara al festival en sus distintos espacios. La imagen de la manada, asociada a una actitud que se niega a ir sobre seguro, encontraba su expresión en el lema de esta edición: “Because the cinema we love has never played by the rules, neither will our image”. La declaración vinculaba la identidad gráfica con una idea de cine que no teme apartarse de las convenciones.

Esa invitación al descubrimiento también se hacía presente en un detalle que disfruté especialmente: el carrusel de películas y programas que aparecía en pantalla antes de las proyecciones. Mientras esperábamos el inicio de la función, los títulos desfilaban y dejaban pequeñas pistas: una imagen que despertaba interés, un nombre que convenía recordar, una sección cuyo planteamiento invitaba a ser explorado. En lugar de limitarse a anunciar lo que vendría después, el carrusel abría otras posibilidades dentro de la programación y convertía la espera en un momento de curiosidad cinematográfica.

Una edición en transición

La edición de 2026 tuvo lugar en un contexto institucional complejo, marcado por cambios en la dirección y ajustes en la estructura del festival. La programación se desarrolló con un equipo que incluía responsabilidades interinas, mientras la directora artística Zoé Protat se encontraba de licencia. En esas circunstancias, sería poco riguroso atribuir el conjunto de la selección a una sola persona sin conocer con precisión cómo se distribuyeron las decisiones. La programación de un festival de esta escala es también el resultado de un trabajo colectivo.

Desde mi experiencia como espectadora, encontré una propuesta coherente y variada. Los programas de cortometrajes que vi no daban la impresión de estar reunidos de manera arbitraria ni de cumplir simplemente con una cuota dentro de la oferta general. Cada uno tenía un carácter propio y, al mismo tiempo, contribuía a una imagen más amplia del festival: un lugar donde conviven diferentes formas de hacer cine y donde la curiosidad del público tiene un papel central.

La acreditación del FNC por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF), anunciada en marzo de 2026, supuso un reconocimiento muy importante para el festival y para Montreal. La FIAPF cuenta con un programa internacional que evalúa y reconoce festivales por su solidez, su impacto y su contribución al ecosistema cinematográfico. Cuando el FNC se incorporó a esta red, formaba parte de una selección de 49 festivales de 29 países y cinco continentes; la lista oficial actualizada reúne actualmente 50. Canadá cuenta con tres festivales acreditados: el Toronto International Film Festival (TIFF), Hot Docs (ambos celebrados en Toronto) y el FNC, único representante de Quebec. Esta incorporación refuerza la presencia de Montreal en el circuito internacional de festivales de cine.

La acreditación no determina por sí sola el valor artístico de una programación, pero sí permite dimensionar la posición que el FNC ocupa en el panorama internacional. Desde mi experiencia en esta edición, los programas que pude ver reflejaron una apuesta por la diversidad de lenguajes y procedencias, así como por el descubrimiento de películas que invitan al público a salir de sus hábitos de visionado.

Más allá de las proyecciones

Durante los once días del festival, con seis sedes y una programación que se desplegaba en paralelo, el FNC ofrecía mucho más de lo que podía abarcar en un solo recorrido. Mientras me concentraba en los cortometrajes, también se desarrollaban actividades vinculadas a MOMENTA (Bienal de Arte Contemporáneo) y eventos especiales, como la noche dedicada a The Matrix y la proyección gratuita de los cortos de Animatrix. La variedad de propuestas permitía acercarse al cine desde experiencias muy distintas, más allá de las proyecciones habituales.

Algunas de estas actividades me hicieron pensar en la capacidad de los festivales para convertir una película en una experiencia colectiva. En la edición anterior, por ejemplo, el maratón de Twin Peaks y la proyección de Tampopo, acompañada de ramen, fueron propuestas que destacaron por la manera en que vinculaban el cine con otras formas de encuentro. Este año, las actividades en torno a The Matrix apuntaban también en esa dirección.

Mi paso por el FNC me permitió dimensionar mejor la vitalidad de los festivales de Montreal y la diversidad de experiencias cinematográficas que conviven en la ciudad. Es una oferta cultural que merece tiempo, curiosidad y exploración.

Una postal antes de la película

El último día del festival, el 18 de octubre, acudí a una proyección en las instalaciones de la Universidad Concordia. La película era Fatherland, de Paweł Pawlikowski, rodada en blanco y negro y cuyo estreno en MUBI está previsto para el 30 de octubre. Llegué con unos cuarenta minutos de anticipación y me sorprendió encontrar ya una fila considerable frente al auditorio, una sala de grandes dimensiones situada en la planta baja de la universidad.

Mientras esperaba, empecé a fijarme en las personas que me rodeaban. A mi lado había una mujer que sostenía un pequeño libro y no paraba de leer. Tenía algo de profesora universitaria, quizá de esas personas que parecen llevar toda una vida entre libros. Detrás de mí, una muchacha de unos veintidós años escribía continuamente en una libreta roja. No sabía qué leía la mujer ni qué anotaba la joven, pero ambas parecían completamente absortas en sus actividades, ajenas al movimiento de la fila.

La escena me evocó por un instante el ambiente de los círculos artísticos e intelectuales del París del siglo XX: la espera, los libros, la libreta roja, aquella naturalidad con la que cada persona parecía entregada a la lectura o a la escritura. No era solo una cuestión de apariencia, sino la impresión de encontrarme en un entorno donde la cultura formaba parte de la vida cotidiana, donde los libros y las inquietudes intelectuales parecían extenderse más allá de los cafés y las bibliotecas, hasta impregnar la vida misma.

Cuando entré en el auditorio, una pareja de unos sesenta y tantos años, ambos de cabello blanco, ya estaba sentada frente a la pantalla. Cada uno leía su propio libro mientras la sala se llenaba. En la pantalla se sucedían los logotipos del FNC y las imágenes de las películas de la programación, como había ocurrido en las demás proyecciones a las que asistí. La combinación de aquella pareja leyendo, la pantalla encendida y la expectativa del comienzo terminó de componer una imagen que guardé como una postal.

Hasta ese momento no había reparado en que el público de aquella sesión era mayoritariamente francófono, ni sabía que la película se proyectaría con subtítulos en francés. En las sesiones anteriores a las que había asistido, los subtítulos habían sido en inglés, de modo que había dado por hecho que ocurriría lo mismo.

Lo que me quedó de aquella noche fue la imagen de las personas leyendo antes de que comenzara la película. A veces, la experiencia de un festival también está hecha de estas pequeñas escenas que ocurren antes de que se apaguen las luces.

El valor de seguir descubriendo

A los 55 años, el Festival du nouveau cinéma conserva una identidad vinculada a la exploración de aquello que se encuentra fuera de los recorridos más previsibles. Los programas de cortometrajes que pude conocer durante esta edición fueron una muestra concreta de esa vocación: películas de distintas procedencias, lenguajes que iban de la ficción a la experimentación y encuentros que permitían prolongar la experiencia de la proyección.

Me quedo especialmente con la sensación de que el cortometraje ocupó un espacio propio dentro de la programación. No se percibía únicamente como una antesala del largometraje ni como un formato que había que incluir por obligación. Las selecciones tenían suficiente diversidad y personalidad para sostener la atención por sí mismas, y el público respondió con una energía que acompañó incluso las propuestas más arriesgadas.

Un festival no se define solo por la cantidad de películas que presenta, por sus invitados o por los nombres que aparecen en su cartelera. También se reconoce en la manera de poner las obras en relación, en las condiciones que ofrece para verlas y en la disposición que despierta en quienes asisten. En las sesiones que viví, el FNC consiguió mantener abierta esa posibilidad de encuentro.

Quizá esa sea una de las formas más concretas de entender su vocación original: crear un espacio para películas que merecen ser vistas y para espectadores dispuestos a dejarse sorprender. Cincuenta y cinco ediciones después, seguir defendiendo esa posibilidad de descubrimiento continúa siendo una manera de renovar el cine.

From October 8 to 18, 2026, Montreal’s Festival du Nouveau Cinéma (FNC) celebrated its 55th edition with nearly 200 works from more than 30 countries, presented across six venues throughout the city. As a festival with a broad cinematic scope, the FNC is not limited to a particular genre or mode of production. As Zoé Protat has noted, its editorial vision finds common ground in auteur cinema, ranging from big-budget films to independent productions made with minimal resources, sometimes following a do-it-yourself  approach. Rather than adhering to a narrowly defined aesthetic category, the FNC seems to champion an understanding of cinema that values distinctive perspectives and a diversity of forms.

My experience of this edition was shaped in particular by four short-film programs. Each offered a different perspective, allowing me to observe how this diversity is reflected in the festival’s selections and in the relationship that develops between films and their audiences. To understand the festival’s identity today, however, it is worth looking back at its origins.

The Origins: Making Room for Other Cinemas

Claude Chamberlan and Dimitri Eipides with John Lennon and Yoko Ono during their Montreal Bed-In for Peace (1969). Two years later, in 1971, Chamberlan and Eipides founded the festival, originally named the Festival international du cinéma en 16 mm de Montréal.

Founded in Montreal in 1971 by Claude Chamberlan and Dimitri Eipides, the Festival du Nouveau Cinéma was created to make room for films that remained outside the usual distribution channels. Both founders shared a commitment to discovering new voices and bringing audiences closer to cinematic traditions and works that rarely found their way into commercial theaters.

Chamberlan was a central figure in Montreal’s independent film exhibition scene and an indefatigable discoverer of films and filmmakers. He believed in the importance of bringing to Quebec the works that had moved him at other festivals, and of preserving physical spaces where independent cinema could meet its audiences. Eipides, for his part, built an international career as a programmer at festivals in Montreal, Toronto, Thessaloniki, and Reykjavík. His work helped bring visibility to filmmakers and cinemas from different regions, while building connections between film communities that might otherwise never have crossed paths.

More than half a century later, the founders’ legacy invites us to look beyond the FNC’s selection of titles. The question is not simply which films it presents, but what place it gives them and how it invites audiences to encounter them.

One Program, Many Ways to Discover Cinema

The breadth of the festival program was also reflected in its different sections: the International and National Competitions, Panorama international, Les Incontournables (The Essentials), Histoire(s) du cinéma (History/Stories of Cinema), Les Nouveaux Alchimistes (The New Alchemists), Temps Ø (Time Ø), and P'tits Loups (Little Wolves), as well as Special Presentations. The RPCÉ program, dedicated to a new generation of emerging Canadian filmmakers, was another part of the lineup. Together, these sections brought different cinematic traditions into conversation, alongside experimental approaches, films for young audiences, and works from different periods in film history. The result was a festival experience that could not be reduced to a single genre or production circuit.

Four Programs, Four Experiences

During my visit to the Cinémathèque québécoise, I attended three short-film programs in a single day. The experience was revealing precisely because there was no single way of approaching short-form cinema: each selection offered a different journey, both in its cinematic language and in the reactions it prompted in the audience.

RPCÉ: The Enthusiasm of a New Generation

One of the institutions I discovered while exploring this edition of the FNC was L'inis, short for Institut national de l'image et du son (National Institute of Image and Sound), a Montreal-based professional training center specializing in film, television, and documentary production. Its presence at the festival is connected to the RPCÉ: Rencontres pancanadiennes du cinéma étudiant (Pan-Canadian Student Film Meetings), an initiative launched by the FNC in 2014 to support emerging cinema and foster connections among film students from different Canadian schools. In addition to a student short-film competition, the RPCÉ includes workshops, talks, and professional networking activities. L'inis participates as a partner institution and host school, with its productions featured in a dedicated program within the festival selection.

The RPCÉ program brought together six short films: Le sang n'est rien, Combustion, La Grande Cena de Fay, La dose parfaite, Noël Vert, and L'entrevue. Created to support young filmmakers and encourage exchange among film students, the program shared, despite the variety of its stories, an interest in human reactions and the tension that can emerge from them. Rather than suspense rooted in fear, it was a sense of uncertainty built around the characters’ behavior, their decisions, and the situations in which they found themselves.

There was also a noticeable shift in tone as the program unfolded. In its second half, suspense gave way in some films to a kind of farcical humor, at times slightly absurd, while three of the six films opted for happy endings. This alternation between tension, comedy, and resolution added variety to the program, without diminishing the films’ interest in the contradictions and reactions of their characters.

The audience response was particularly enthusiastic. The screening room, filled mostly with young people, came alive with applause and cheers at the end of each short film. There was something of a collective celebration in the atmosphere, making the connection between the films and their viewers unmistakable.

New Alchemists: Experimenting with Image, Time, and Sound

The tone shifted with New Alchemists Competition 4, a selection of six works that I chose precisely for their multidisciplinary approaches and the diversity of their cinematic languages. Here, cinema moved away from more conventional narrative structures, making room for formal experimentation and different ways of working with image, time, and sound.

Among the films, Forever... Forever, by Austrian filmmaker Johann Lurf, stood out for its visual approach, its use of 35mm film, and its 21-minute running time. The film created a temporal experience that evoked the transition from day to night, paying particular attention to changes in light, rhythm, and sound. At one point, sound effects reminiscent of thunder prompted spontaneous expressions of surprise from the audience, followed by laughter and applause. It was one of those moments when an experimental film, without needing to explain its process, prompted an immediate reaction from the audience.

The filmmaker behind Parie 6 was also in attendance. It was one of the program’s most abstract and materially driven works. His participation had an informal, approachable quality, far removed from the solemnity that sometimes accompanies post-screening discussions. That natural atmosphere helped make the session feel like a space for exchange, rather than simply a showcase of completed works.

International Competition: Different Geographies, New Perspectives

The third selection of the day, International Competition 1, brought together four short films from Mexico, Peru, Sudan, and Somalia: For the Opponents, Nobody Knows the World, Nothing Happens After Your Absence, and Whispers of a Burning Scent. Their geographic and cultural diversity was one of the program’s most evident features, although its appeal went beyond the films’ countries of origin. I found all four engaging, and relatively balanced in their ability to spark curiosity. The selection moved between different contexts without imposing a single way of representing the world or a fixed idea of what a short film should be.

Sitting next to the director of one of the Peruvian films added another dimension to the experience. The presence of invited filmmakers, also noticeable in the New Alchemists program, brought the works closer to those of us who had just watched them. The film ceased to be a distant object on the screen and became the starting point for a possible conversation.

National Competition: Humor as Common Ground

A few days later, I attended National Competition 1, which presented five short films: Pacific Spirit, Footsteps On The Ceiling, Et qu'en pensent les cochons?, Between Late April and Early May, and Skinny Bottines. The screening revealed yet another side of short-form cinema, with films that incorporated humor to varying degrees. The screening room was nearly full, and the audience, made up largely of young adults, responded enthusiastically.

Three guests took part in the post-screening discussion: one producer and two directors. I was struck by the open, informal tone of the conversation, which unfolded naturally and did not go on unnecessarily. The introductions and questions offered some insight into the films without turning the exchange into a rigid formal event or exhausting the audience’s attention.

Skinny Bottines, by Romain F. Dubois, was one of the films that seemed to resonate most strongly with the audience. I later learned that it had received the Audience Award, presented by SLA Locations, in the National Short Film Competition, a recognition that aligned with the positive response I had witnessed during the screening.

Taken together, these four programs brought twenty-one short films and four very different experiences. What mattered was not that every film appealed to me equally, but that each selection seemed to have a distinct and recognizable intention. Fiction, experimentation, and films from different cultural backgrounds coexisted without short-form cinema being relegated to a secondary category.

The Screening Room Is Part of the Festival, Too

In the screenings I attended, the audience played an active role. Audiences filled the screening rooms, with applause, laughter, and spontaneous reactions, while viewers also remained attentive to more abstract works, even without the familiar structures of conventional storytelling. These observations reflect only the screenings I attended, but they were consistent enough to become an important part of my experience of the festival.

The Cinémathèque québécoise, in particular, struck me as a place well suited to this kind of encounter. Spending an entire day there, moving between screenings and conversations with filmmakers, allowed me to experience the venue as more than just a screening location. For those hours, it seemed to become a shared meeting place for audiences, filmmakers, and people interested in exploring other forms of cinema.

I was also struck by the ease and informality of the encounters with invited guests. Not every screening needed an extended discussion to create a sense of connection. Sometimes a brief introduction, a filmmaker’s response, or a collective reaction was enough to extend the experience of a film beyond the screen. At a festival devoted to discovery, that kind of contact matters: it allows films to circulate not merely as titles in a program, but as works that can be discussed, questioned, and remembered.

Following the Wolf and the She-Wolf

Another striking feature of this edition was its visual identity. To mark its 55th anniversary, the FNC introduced a new visual language built around the figures of the wolf and the she-wolf, bold color contrasts, and a dynamic aesthetic. At the different venues I visited, this identity was present throughout: in the logos, animations, short animated sequences, screen backgrounds, and various visual materials accompanying the screenings.

From my perspective as a graphic designer, I particularly appreciated the consistency of this approach. It was not simply a matter of having an attractive poster, but of developing a recognizable visual language that accompanied the festival across its different spaces. The image of the pack, associated with an attitude that refuses to play it safe, found expression in this edition’s motto: “Because the cinema we love has never played by the rules, neither will our image.” The statement connected the festival’s graphic identity with an understanding of cinema that is unafraid to move beyond conventions.

This invitation to discover new things also appeared in a detail I particularly enjoyed: the carousel of films and programs displayed on screen before each screening. As we waited for the films to begin, titles passed by, offering small clues: an image that sparked interest, a name worth remembering, a section whose concept invited further exploration. Rather than simply announcing what was coming next, the carousel opened up other possibilities within the program and turned the waiting time into a moment of cinematic curiosity.

An Edition in Transition

The 2026 edition took place amid a complex institutional context, marked by changes in leadership and adjustments to the festival’s organizational structure. During this period, some responsibilities were being handled on an interim basis, while artistic director Zoé Protat was on leave. Under these circumstances, it would be inaccurate to attribute the entire selection to a single person without knowing precisely how programming decisions were distributed. Programming a festival of this scale is also the result of collective work.

As an audience member, I found the program coherent and varied. The short-film selections I attended did not feel arbitrarily assembled or as though they were simply fulfilling a quota within the overall lineup. Each had its own character while contributing to a broader picture of the festival: a place where different approaches to filmmaking coexist and where audience curiosity plays a central role.

The FNC’s accreditation by the International Federation of Film Producers Associations (FIAPF), announced in March 2026, marked an important milestone for both the festival and Montreal. FIAPF operates an international program that evaluates and recognizes festivals for their organizational strength, impact, and contribution to the film industry. When the FNC joined this network, it became part of a group of 49 festivals across 29 countries and five continents; the current official list includes 50. Canada has three accredited festivals: the Toronto International Film Festival (TIFF), Hot Docs (both held in Toronto), and the FNC, the only representative from Quebec. This accreditation strengthens Montreal’s presence on the international film festival circuit.

Accreditation alone does not determine the artistic value of a festival’s programming, but it does help put the FNC’s position within the international film landscape into perspective. From what I experienced at this edition, the programs I attended reflected a commitment to diverse cinematic languages and geographical backgrounds, as well as to discovering films that invite audiences to move beyond their usual viewing habits.

Beyond the Screen: The Audience Experience

Over the eleven days of the festival, with six venues and a program unfolding across multiple locations at the same time, the FNC offered far more than anyone could take in during a single visit. While I focused on the short films, other activities were also taking place, including events connected to MOMENTA (Contemporary Art Biennale) and special events such as a night dedicated to The Matrix and a free screening of the Animatrix shorts. This range of offerings allowed audiences to engage with cinema in very different ways, beyond the usual screening experience.

Some of these activities made me reflect on the ability of festivals to turn a film into a collective experience. At the previous edition, for example, the Twin Peaks marathon and the screening of Tampopo, accompanied by ramen, stood out for the way they connected cinema with other forms of gathering. This year, the activities surrounding The Matrix seemed to follow a similar direction.

My experience at the FNC gave me a better sense of the vitality of Montreal’s film festivals and the diversity of cinematic experiences that coexist throughout the city. It is a cultural landscape that deserves time, curiosity, and exploration.

A Postcard Before the Film

On the festival’s final day, October 18, I attended a screening at Concordia University. The film was Fatherland, by Paweł Pawlikowski, shot in black and white and scheduled to premiere on MUBI on October 30. I arrived about forty minutes early and was surprised to find a sizable line already forming outside the auditorium, a large screening space on the university’s ground floor.

As I waited, I began noticing the people around me. Beside me stood a woman holding a small book, which she read continuously. She had the air of a university professor, perhaps one of those people who seem to have spent a lifetime among books. Behind me, a young woman in her early twenties was constantly writing in a red notebook. I had no idea what the woman was reading or what the younger woman was writing, but both seemed completely absorbed in their activities, seemingly unaware of the movement around them.

For a moment, the scene brought to mind the artistic and intellectual circles of twentieth-century Paris: the waiting, the books, the red notebook, the effortless way in which each person seemed immersed in reading or writing. It was not simply a matter of appearances, but the impression of being in an environment where culture was part of everyday life, where books and intellectual pursuits seemed to extend beyond cafés and libraries and permeate daily existence.

When I entered the auditorium, a couple in their sixties, both with white hair, was already seated facing the screen. Each was reading a book of their own as the room gradually filled. On the screen, the FNC logos and images from the festival program were playing, just as they had before the other screenings I attended. The sight of the couple reading, the illuminated screen, and the anticipation of the film’s beginning came together to form an image I would keep as a postcard.

Until that moment, I had not realized that the audience at this screening was predominantly French-speaking, nor did I know that the film would be shown with French subtitles. At the previous screenings I had attended, the subtitles had been in English, so I had simply assumed the same would be true here.

What stayed with me from that evening was the image of people reading before the film began. Sometimes, the experience of a film festival is also made up of these small scenes that unfold before the lights go down.

The Value of Continuing to Discover

At 55, the Festival du nouveau cinéma retains an identity rooted in exploring what lies beyond the more predictable paths of cinema. The short-film programs I encountered during this edition offered a concrete expression of that commitment: films from different backgrounds, cinematic languages ranging from fiction to experimentation, and encounters that allowed the screening experience to continue beyond the film itself.

What stayed with me most was the sense that short films occupied a space of their own within the program. They were not treated merely as a prelude to feature films or as a format included out of obligation. The selections had enough diversity and character to hold the audience’s attention in their own right, and viewers responded with an energy that extended even to the more daring works.

A festival is defined not only by the number of films it presents, its guests, or the names featured in its lineup. It is also recognized by the way it brings works into conversation, the conditions it creates for viewing them, and the openness it inspires in those who attend. In the screenings I experienced, the FNC succeeded in keeping that possibility of connection alive.

Perhaps this is one of the most tangible ways to understand its founding mission: to create a space for films that deserve to be seen and for audiences willing to be surprised. Fifty-five editions later, continuing to defend that possibility of discovery remains one way of renewing cinema.

Les Îles de Guadeloupe sont à l’honneur dans le nouveau film de voyage réalisé par Les Aventuriers Voyageurs, qui met en scène Gino Chouinard, animateur vedette de l’émission matinale Salut Bonjour. Le film est à découvrir dans les salles de cinéma du Québec dès le 18 octobre.

En quête de liberté après des années passées au rythme intense de l’émission matinale Salut Bonjour, Gino Chouinard s’offre une immersion au coeur des Îles de Guadeloupe, une destination où la nature luxuriante, la douceur de vivre, l’authenticité et l’âme créole s’entrelacent avec force.

À seulement quatre heures de vol direct depuis Montréal toute l’année avec Air Canada, Air Transat, et depuis Québec en vols saisonniers, les Îles de Guadeloupe forment un archipel situé dans les Caraïbes françaises, composé de six îles aux personnalités bien distinctes : Basse-Terre, Grande-Terre, Marie-Galante, La Désirade, Terre-de-Haut, Terre-de-Bas (Les Saintes).

Chacune possède sa propre identité, son énergie et son caractère, offrant ainsi une grande diversité d’expériences aux voyageurs en un seul voyage.  Il est également facile et accessible de passer d’une île à l’autre, plusieurs liaisons en ferry quotidiennes en traversier permettant de les rejoindre en moins d’une heure.  Tourné aux quatre coins de l’archipel, ce film de 90 minutes accompagne Gino à la découverte des Îles de Guadeloupe, entre paysages d’exception, culture et traditions. 

Bienvenue au coeur des Îles de Guadeloupe, à travers la visite des marchés locaux et des distilleries, une immersion au coeur de Pointe-à-Pitre, Ville d’Art et d’Histoire, une escapade à travers le Parc National de Guadeloupe et sa mangrove, ou encore une excursion à Marie-Galante, l’île aux cent moulins et aux champs de cannes à perte de vue. À bord d’un catamaran, Gino met le cap vers Terre-de-Haut (Les Saintes) et prend part à un atelier culinaire autour de la fabrication du tourment d’amour. Au fil d’échanges authentiques et d’expériences immersives, il part à la rencontre de celles et ceux qui font vivre et rayonner la destination au quotidien.

Ce film de voyage animé par Gino Chouinard sera présenté dans plus de 60 cinémas au Québec avec Les Aventuriers Voyageurs dès le 18 octobre. Vous pouvez visionner la bande-annonce et connaître l’horaire des représentations sur le site www.lesaventuriersvoyageurs.com.

Le lancement officiel du Mois de l’héritage latino-américain s’est tenu le 2 octobre à l’hôtel de ville de Montréal, dans une ambiance chaleureuse réunissant des membres de la communauté latino-américaine, des artistes, des organismes et de nombreux invités.