There are festivals one attends, and there are festivals one inhabits. The 44th edition of the Festival International du Film sur l’Art (FIFA), held in Montreal, belongs unmistakably to the latter.

Founded in 1981 by René Rozon, FIFA has grown into the most important festival in the world dedicated to the international promotion and circulation of films on art and media arts. With an initial mission “to increase the knowledge and appreciation of art among the public,” the festival has, over more than four decades, built a remarkable legacy: over 5,000 films presented from nearly 80 countries and more than 400 awards granted. What began as a six-day event is now an 11-day celebration of artistic expression in cinematic form.

A City of Festivals, A Festival Apart

Montreal is a city that breathes festivals, with a cultural calendar that spans the entire year. In less than a year, I had already encountered several, each offering a distinct lens into cinema and culture.

Yet FIFA stood apart. Within this rich cultural landscape, it asserts a presence that is both precise and singular.

What makes FIFA distinctive is not only its longevity, but the clarity of its focus: a festival devoted to films that engage with art as subject, form, and experience. Moving fluidly across disciplines (cinema, visual arts, photography, architecture, dance, music, design, and digital and media-based practices) it expands the possibilities of what the moving image can hold.

What makes this discovery particularly meaningful for me is that it emerges from a broader trajectory shaped by experiences in film programming and curatorial practice. Before arriving in Montreal, I had the opportunity to engage with festivals such as the San Sebastián International Film Festival (Zinemaldia) and Punto de Vista in Pamplona, experiencing them both as a spectator and through more curatorial and institutional perspectives.

This dual position (between observation and internal understanding) has shaped the way I approach festivals not as isolated events, but as complex cultural systems. From this perspective, FIFA reveals its singularity not in opposition to other festivals, but through a distinct logic: one that prioritizes thematic coherence and artistic focus over scale.

It is precisely in this deliberate narrowing (this focus on art as both subject and practice) where its strength becomes visible.

FIFA does not limit itself to being an event. It functions as an ecosystem. Its professional hub, FIFA Connexions, its international network (FOAN), and its streaming platform ARTS.FILM extend its presence far beyond the eleven days of screenings. In contrast to festivals that sometimes concentrate their energy into a single temporal peak, FIFA distributes its influence across the year, sustaining a continuous circulation of art films, ideas, and collaborations.

This structural continuity is not anecdotal; it is ideological. It suggests that films on art and media practices should not be consumed as an isolated moment, but as an ongoing practice.

Entering the Festival: A Volunteer’s Perspective

My first real contact with FIFA came not through the screen, but through participation. I took part in the festival as a volunteer, joining a team of around 130 volunteers for this edition.

The room was full, an immediate indication of the scale and enthusiasm surrounding FIFA. During those sessions, we were introduced to the artistic and executive director, Philippe U. del Drago, as well as to the teams behind the festival’s different sections and programs.

But beyond the formal presentations, what struck me most was the atmosphere.

Entering the festival’s offices, I was greeted by a large Jean-Michel Basquiat poster dominating the wall, a bold statement of artistic intent. Surrounding it were framed posters from past editions, some featuring the unmistakable visual language of Keith Haring. It was not just decoration; it was a declaration: this is a festival that lives and breathes art.

Opening and Closing: A Full Circle Experience

I had the privilege of attending both the opening night and the closing screening of the festival, witnessing its beginning and its conclusion.

The festival officially opened on March 12 at the Monument-National, one of Montreal’s emblematic cultural venues. The theater was completely full, a powerful testament to the audience’s anticipation. The opening film, Mon Amour c’est pour le restant de mes jours, set the tone for what was to come, not only as a cinematic experience, but as a conceptual entry point into the festival itself.

Days later, the closing film, The Way We Move, offered a different but equally resonant perspective, bringing the experience to a meaningful close.

As someone deeply connected to visual arts, cinema, and the moving image, being able to inhabit the festival across its duration felt like entering a sustained artistic atmosphere, one shaped not only by films, but by encounters, conversations, and shared sensibilities. The experience was not only cinematic, but profoundly artistic, while extending into a sense of community and shared collaboration.

Watching the Festival: A Curated Immersion

Beyond my role as a volunteer, I attended seven film sessions across different sections of the program, including the Carte Blanche selection More-Than-Human Worlds, curated by Pauline Soh, Senior Curator of Programmes at the National Gallery Singapore, presenting a program of six works by contemporary Southeast Asian artists and filmmakers. From there, the program shifted into other sections and perspectives: Viktor, Two Strangers Trying Not to Kill Each Other, The Designer is Dead, Farruquito: A Flamenco Dynasty, and the closing film, The Way We Move.

This selection of films offers only one possible reading of the festival. Had I chosen a different set of screenings or Carte Blanche programs, I would have inevitably encountered another constellation of works and, with it, another version of FIFA. With hundreds of films presented across the festival, it is impossible to grasp it in its entirety. Yet there is also something rewarding in this partial access: the freedom to build one’s own path through the program, and to construct a personal reading based on what time, curiosity, and circumstance allow.

This sense of partiality becomes even more evident when considering the scale of the 44th edition: 178 titles from 52 countries, including 60 Canadian films, with 41 world premieres. Notably, 93 films were (co-)directed by women, reflecting a strong commitment to diverse voices in contemporary films on art. The official competitions included 23 international and 17 national entries, highlighting a careful balance between global reach and local presence.

Stills from selected films, from left to right: Farruquito: A Flamenco Dynasty, Two Strangers Trying Not to Kill Each Other, Viktor and The Designer is Dead.

Recurring Themes: Art, Mortality, and the Human Condition

Across the screenings I attended, a pattern began to emerge, one that I had not anticipated, yet felt deeply coherent within the festival’s curatorial vision: a sustained reflection on mortality.

Mon Amour c’est pour le restant de mes jours, centered on Quebec filmmaker Robert Morin, emerged as one of the most striking films in my selection. As a newcomer to Montreal, I was searching for traces of non-commercial, local cinema, voices that exist beyond mainstream recognition. Discovering his work through this intimate lens felt like an initiation into a lesser-known cultural lineage.

This reflection on life and its finitude reappeared in Two Strangers Trying Not to Kill Each Other, where photographer Joel Meyerowitz and writer Maggie Barrett confront aging, artistic frustration, and the inevitability of death through the prism of their relationship. Similarly, the documentary on Farruquito carries an underlying awareness of legacy and generational continuity, unfolding between glory and tragedy, while The Designer is Dead plays with the ambiguity of disappearance, revealing a creator, Miguel Adrover, who has not died, but has instead withdrawn from the systems that once defined him.

In all these works, death is not treated as spectacle, but as a condition, something to think with, rather than something to fear. It appears less as an event than as a structure, quietly shaping how time, memory, and artistic gesture unfold.

Alongside this line of inquiry, another thematic thread emerged around the relationship between art, the body, and access. In the words of FIFA’s Artistic Director Philippe U. del Drago, art can be understood as “a laboratory for the expansion of human language,” where it constantly shifts imaginaries, reconfigures perception, and redefines what is visible, audible, and thinkable. He further writes that cinema, perhaps more than any other art form, becomes the space where these languages meet, collide, and translate one another, asking us to “learn the language of the other” not as assimilation, but as a form of openness and displacement.

Within this framework, films such as The Way We Move explore how deaf communities experience and collectively translate music, expanding the sensory boundaries of performance. In a more politically charged register, Viktor follows a deaf Ukrainian man during the ongoing war, whose desire to enlist in the army confronts the structural limits imposed by his condition. Unable to serve as a soldier, he turns to photojournalism in search of purpose and participation. Here, deafness is not only a question of accessibility, but of agency, usefulness, and belonging within a nation at war.

Even indirectly, projects like Song of the Hands point toward a redefinition of how art can be transmitted, translated, and felt. Taken together, these films suggest that FIFA is not only about representing art, but about interrogating who art is for, and under what conditions it can be experienced, shared, or even lived.

FIFA Connexions: A Global Network of Art and Cinema

For its 44th edition, FIFA signals a shift in its professional program through FIFA Connexions, conceived not merely as an industry platform but as a dynamic space for exchange, learning, and professional development. Through round tables, conferences, workshops, and pitch sessions, it creates conditions for dialogue around key contemporary challenges, creation, distribution, financing, and the circulation of works.

What distinguishes Connexions is its deliberate inclusivity: it places emerging voices and early-career professionals in direct conversation with established figures, fostering an environment where knowledge is shared horizontally rather than hierarchically. In this sense, it functions as a laboratory for future collaborations and as a bridge between local and international ecosystems.

FOAN: Extending the Network

FOAN (Festival of Films on Art Network) operates as a distinct but complementary structure. Composed of member institutions across North America, South America, Europe, and Asia, it facilitates the exchange of knowledge and practices while supporting the production, circulation, and visibility of films on art.

More than a formal alliance, FOAN acts as a space of dialogue and collaboration, where partners collectively reflect on the evolving role of art films within a global cultural landscape. In this context, such films can be understood as sensitive indicators of social and cultural change, carrying meanings that extend beyond the screen.

A Festival Beyond Time and Space

One of FIFA’s most compelling evolutions is its digital extension: ARTS.FILM. This online platform transforms the festival into a year-round experience, offering access to more than 600 films that are otherwise difficult (or impossible) to find.

During the festival period and beyond, audiences can continue exploring its programming from home, extending the life of the festival beyond its physical duration.

Belonging Through Festivals

As a recent arrival in Montreal, my experience of FIFA is inseparable from my process of building a sense of belonging within the city.

What becomes evident over time is that Montreal’s festivals do not compete, they coexist. Each occupies a specific space within an annual cultural cycle, addressing different audiences, disciplines, and sensibilities. Together, they form a living ecosystem.

Within this landscape, FIFA stands out as the festival with which I feel the strongest intellectual and professional affinity. Its focus on art, its curatorial rigor, and its expanded structure resonate with contemporary practices in curatorial studies and film programming, particularly those concerned with expanded notions of exhibition and circulation.

To encounter such a festival not only as a spectator, but also as a volunteer, is to engage with it on multiple levels.

Beyond the Festival

FIFA ultimately invites a broader reflection on what a film festival can be today. In an era where images circulate endlessly and attention is fragmented, FIFA proposes an alternative model: one rooted in depth, continuity, and dialogue across artistic practices. Its commitment to art is not static or self-referential, but oriented toward a transdisciplinary space in which perception itself is reshaped, particularly at a moment marked by global instability and the ongoing violence of multiple conflicts, where artistic practices also become sites of reflection, resistance, and solace.

If traditional festivals often seek to frame the present of film, FIFA seems to ask a different question: what is the place of art within it?

And perhaps more importantly, who is it for, and under what conditions does it become accessible, perceptible, and shared?

On Thursday, March 12, the Festival International du Film sur l’Art (FIFA) opened its 44th edition at the Monument-National, one of the most important film events dedicated to cinema about art. The film chosen to open the festival was the documentary Mon amour, c’est pour les restant de mes jours, directed by Quebec filmmaker André-Line Beauparlant, an intimate work that explores the life and work of her partner, filmmaker Robert Morin.

Running 95 minutes and narrated in Quebec French, the film unfolds as a deeply personal portrait. Beauparlant, known for her work as an art director on numerous Quebec film productions and for documentaries about members of her own family, turns her camera here toward the partner with whom she has shared her life for decades.

The two met when Morin was 44 and Beauparlant 27. She was just beginning her career in cinema and was working as a set decorator on Morin’s film Windigo (1994). From that encounter began a relationship that, over time, also evolved into a creative dialogue.

The documentary adopts a curiously dual form. Beauparlant almost never appears on screen, yet her presence is constant: we hear her voice, her reflections, and the questions and statements she directs to Morin. The film thus works as a kind of intimate diptych. On one side is the portrait of the filmmaker; on the other, the loving (and at times inquisitive) gaze of the person observing him.

With more than thirty-five films in his career, Morin emerges as a deeply atypical figure within Canadian cinema. He has never pursued commercial filmmaking. Over the years his work has moved through different formats, from Super 8 to magnetic video and, more recently, digital media. By revisiting her partner’s archives, Beauparlant shows how each technological shift became for him an opportunity for exploration.

When she asks him how he would define his art, Morin responds with disarming honesty: he is interested in showing things that unsettle people, images that make viewers uncomfortable. He confesses that making art is what helps him fight depression; art, he admits, is his addiction.

In one of the documentary’s most revealing passages, Morin speaks about “the weight of dreams”: the films that exist in one’s imagination but are never completed. For him, part of the craft lies in accepting the failure of certain projects that will never see the light of day. And yet, whenever he sits down at his computer, he feels as if he has entered a kind of sanctuary.

This absolute dedication to artistic work also implies a degree of selfishness, the filmmaker acknowledges. He explains that he has always tried to avoid distractions that might take time away from his creative practice. He had two children from previous relationships, but with Beauparlant he did not build a family in that sense.

As the conversation unfolds, a darker dimension of Morin’s biography also emerges. He recalls a traumatic childhood event: he was walking with a friend when suddenly a bus struck the boy. The child died instantly while Morin remained unharmed. The image of blood and bones deeply marked his memory; for several days, he says, he even lost his sense of time.

Death would appear again in other ways throughout his life. His father was injured in a collision with a train and remained bedridden for years, and their relationship was distant and lacking affection. Later, his mother died in a fire caused by Christmas decorations.

And yet the documentary makes clear that Morin is not a dark or fatalistic figure. Rather, he seems to be someone who has learned to live with the constant presence of loss.

This reflection on death also runs through the film project Morin attempts to make during the years Beauparlant is filming him. It is a fiction centered on a moose wounded by an arrow who, aware of his fate, lies down in the forest to await death. The director hopes to film how the animal’s body becomes food for other creatures (bears, coyotes, scavengers) and eventually decomposes.

But nature does not cooperate with the script. Only a few vultures, some birds, and occasionally a fox appear. The filmmaker’s persistence in trying to capture the moment becomes almost absurd and, at the same time, deeply human. At one point he even resorts to small manual tricks to simulate the breathing of the dying moose, hoping to record the animal’s final gasps.

In contrast to this obsession with death, Beauparlant’s documentary seems guided by another force. At one point in the film, Morin asks his partner whether she thinks about death. She answers that she does not. He, on the other hand, admits that he thinks about it often.

She then formulates a quiet conclusion: if Morin’s film about the moose is an attempt to understand death, hers is, instead, a film about love.

The opening screening also had a special element: both André-Line Beauparlant and Robert Morin were present in the theater, sharing the experience with the audience. It is one of the small kinds of magic that film festivals manage to weave, the direct encounter between a work and the people who created it.

For Morin, the evening carried particular significance. It was the first time he had seen the completed documentary his partner had made about him. Before the screening began, Beauparlant tried to reassure him with a simple phrase: “Everything will be fine, Robert.”

When the lights came up at the end of the film, unanimous applause filled the room. Visibly moved (and perhaps a little overwhelmed by the attention) Beauparlant and Morin went up together to the cinema podium to thank the audience. He told her then that she had done a tremendous job; she received the comment with genuine surprise and a smile.

Thus, amid emotion, complicity, and cinema, the first screening of the 44th edition of the Festival International du Film sur l’Art was officially inaugurated.

El jueves 12 de marzo se inauguró en el teatro Monument-National la 44ª edición del Festival International du Film sur l’Art (FIFA), uno de los encuentros cinematográficos más importantes dedicados al cine sobre arte. La película encargada de abrir el festival fue el documental Mon amour, c’est pour les restant de mes jours, dirigido por la cineasta quebequense André-Line Beauparlant, una obra íntima que explora la vida y la obra de su pareja, el cineasta Robert Morin.

Con una duración de 95 minutos y narrada en francés quebequense, la película se presenta como un retrato profundamente personal. Beauparlant, conocida por su trabajo como directora artística en numerosas producciones del cine quebequense y por documentales dedicados a miembros de su familia, dirige aquí su mirada hacia el compañero con quien comparte su vida desde hace décadas.

Ambos se conocieron cuando Morin tenía 44 años y Beauparlant 27. Ella comenzaba su camino en el cine y trabajaba como decoradora de set en la película Windigo (1994), dirigida por Morin. A partir de ese encuentro comenzó una relación que, con el paso del tiempo, se transformó también en un diálogo creativo.

El documental adopta una forma curiosamente doble. Beauparlant casi nunca aparece en pantalla, pero su presencia es constante: escuchamos su voz, sus reflexiones y las preguntas y declaraciones que le dirige a Morin. La película funciona así como un díptico íntimo. Por un lado, el retrato del cineasta; por el otro, la mirada amorosa (y a veces inquisitiva) de quien lo observa.

Morin, con más de treinta y cinco películas en su trayectoria, se revela como un cineasta profundamente atípico dentro del panorama canadiense. Nunca ha perseguido el cine comercial. Su trabajo ha transitado por distintos formatos a lo largo de los años: desde el Super 8 hasta el video magnético y, más recientemente, el medio digital. Beauparlant revisita los archivos de su compañero y muestra cómo cada cambio tecnológico fue para él una oportunidad de exploración.

Cuando ella le pregunta cómo definiría su arte, Morin responde con una franqueza desarmante: le interesa mostrar aquello que sacude al espectador, lo que lo incomoda. Confiesa que hacer arte es lo que le ayuda a combatir la depresión; el arte, admite, es su adicción.

En uno de los pasajes más reveladores del documental, Morin habla del “peso de los sueños”: esas películas que existen en la imaginación pero que nunca logran realizarse. Para él, parte del oficio consiste en aceptar el fracaso de ciertos proyectos que jamás verán la luz. Aun así, cada vez que se sienta frente a su computadora siente que entra en una especie de santuario.

Esa dedicación absoluta al trabajo artístico también implica un grado de egoísmo, reconoce el propio cineasta. Explica que siempre intentó evitar distracciones que pudieran alejarlo de su creación. Tuvo dos hijos en relaciones anteriores, pero con Beauparlant no formó una familia en ese sentido.

A lo largo de la conversación emerge también una dimensión más oscura de su biografía. Morin recuerda un episodio traumático de su infancia: caminaba con un amigo cuando, de pronto, un autobús lo atropelló. El niño murió en el acto mientras él permanecía ileso. La imagen de la sangre y los huesos marcó profundamente su memoria; durante días, cuenta, perdió incluso la noción del tiempo.

La muerte volvería a aparecer en su vida de otras formas. Su padre sufrió un accidente al chocar contra un tren y quedó postrado durante años, y su relación con él fue distante, sin afecto. Más tarde, su madre moriría en un incendio provocado por una decoración navideña.

Sin embargo, el documental deja claro que Morin no es una figura sombría ni fatalista. Más bien parece alguien que ha aprendido a convivir con la presencia constante de la pérdida.

Esa reflexión sobre la muerte atraviesa también el proyecto cinematográfico que Morin intenta realizar durante los años en que Beauparlant lo filma. Se trata de una ficción centrada en un alce herido por una flecha que, consciente de su final, se recuesta en el bosque para esperar la muerte. El director quiere filmar cómo el cuerpo se convierte en alimento para otros seres: osos, coyotes, carroñeros y, posteriormente se degrada.

Pero la naturaleza no coopera con el guion. Apenas aparecen algunos buitres, ciertas aves y ocasionalmente un zorro. La obstinación del cineasta por capturar ese momento se vuelve casi absurda y, al mismo tiempo, profundamente humana. Incluso llega a utilizar pequeños trucos manuales para simular la respiración del alce agonizante, intentando registrar los últimos estertores del animal.

En contraste con esa obsesión por la muerte, el documental de Beauparlant parece estar guiado por otra fuerza. En un momento de la película, Morin le pregunta a su pareja si ella piensa en la muerte. Ella responde que no. Él, en cambio, admite que sí lo hace con frecuencia.

Entonces ella formula una especie de conclusión silenciosa: si la película de Morin sobre el alce es un intento por comprender la muerte, la suya es, en cambio, una película sobre el amor.

La proyección de apertura tuvo además un elemento especial: tanto André-Line Beauparlant como Robert Morin se encontraban presentes en la sala, compartiendo la experiencia con el público. Esa es una de las pequeñas magias que los festivales de cine consiguen tejer: el encuentro directo entre las obras y quienes las crean.

Para Morin, la velada tenía un significado particular. Era la primera vez que veía terminado el documental que su pareja había realizado sobre él. Antes de que comenzara la proyección, Beauparlant intentó tranquilizarlo con una frase sencilla: “Todo irá bien, Robert”.

Al encenderse las luces al final de la película, un aplauso unánime llenó la sala. Visiblemente conmovidos (y también un poco abrumados por la atención) Beauparlant y Morin subieron juntos al podio del cine para agradecer la recepción. Él le dijo entonces que había hecho un trabajo tremendo; ella, sorprendida, recibió el comentario con una sonrisa genuina.

Así, entre emoción, complicidad y cine, quedó inaugurada la primera proyección de la 44ª edición del Festival International du Film sur l’Art.

Philippe Katerine, Wajdi Mouawad, Gustavo Dudamel, Amadou et Mariam, Patrice Vermette,
André-Line Beauparlant, Robert Morin, Marlene Millar, Darlene Naponse, Ai Wei Wei, Tina Modotti, L’Opéra de Paris, Isabelle Adjani, Caravaggio, Gilbert & George, Rimbaud, Fellini, Chaplin, TATE Modern, Reina Sofía, Le Prado, National Gallery Singapore.

En salle du 12 au 22 mars et en ligne du 20 au 29 mars 
à Montréal - à Québec - en ligne. 

BANDE-ANNONCE | Le FIFA 44:

Montréal, le 19 février 2026 - Le plus grand festival dédié aux films sur l’art et aux films d’art au monde vous invite en salle à Montréal et à Québec du 12 au 22 mars et en ligne du 20 au 29 mars prochains. Venez découvrir le meilleur du film sur l’art avec une programmation au cœur de nos questionnements qui transcende les frontières de l’imagination.

Billetterie

Pour rappel, la 44e édition du Festival ouvrira avec Mon amour: c'est pour le restant de mes jours d’André-Line Beauparlant (Canada) en première mondiale. Projeté en salle, le jeudi 12 mars au Monument National à Montréal en présence de la réalisatrice, de Robert Morin et de l’équipe du film, il sera également en ouverture du FIFA à Québec, le vendredi 13 mars au Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ).

LES COMPÉTITIONS Un seul mot d’ordre : l’excellence cinématographique. Un rapport au réel sublimé. L’intimité partagée. Tout à la cinémathèque (ou presque). Chaque film en compétition est un rendez-vous pour les cinéphiles. Présentées pour la plupart à La Cinémathèque québécoise, ces œuvres ont été précédemment sélectionnées dans des festivals tels que la Berlinale, Sundance, le TIFF, ou encore Locarno. Par exemple My Armenian Phantom de Tamara Stepanyan, Fantastique de Marjolijn Prins, Viktor de Olivier Sarbil, … Et puis, il y a aussi ces films que nous présentons en première mondiale, à l’image de Mon amour, c'est pour le restant de mes jours d’André-Line Beauparlant, ou encore Ça reste entre nous. Ce dernier, premier long-métrage de la cinéaste iranienne Maryam Shapoorian, illustre notre volonté d’opérer comme une vigie du cinéma de demain, un cinéma à l’écoute des nouvelles voix. Des voix qui s’inscrivent dans un monde où les dynamiques de pouvoir transparaissent aujourd’hui plus que jamais : le film palestinien Like an Event in a Dream Dreamt by Another—Insomnia de Firas Shehadeh, qui traite de la question de l’agentivité des peuples opprimés, ou le documentaire Elephants & Squirrels de Gregor Braendli, portant sur les enjeux de restitution, n’en sont que quelques témoins. COMPÉTITIONS - LONGS-MÉTRAGES Dans la catégorie courts-métrages en compétition internationale, découvrez la méditation sensible sur la mémoire et la transmission artistique avec And Now I Understand What I Knew When I Was a Child de Roman Chalupnik et Lucas Vossoughi ; une exploration onirique du désir féminin dans Arqueología del deseo lesbico de Camille Zéhenne ; ou encore le collage ludique et subversif Everyone Deserves a Slice of the Pie de Sasha Pirker, hommage aux pionnières du cinéma. Voyagez de Copacabana à Charleroi avec Filme-Copacabana de Sofia Leão et Winter of Machines de Jan Locus, ou imaginez l’architecture du futur dans Lavaforming de Sukanya Mukherjee et Arnar Skarphéðinsson. Du côté national, laissez-vous porter par la puissance chorégraphique de Les mêmes yeux que toi de Derek Branscombe, la résistance environnementale dans Lifeline de Morgan Pinnock, ou encore l’élan technopoétique de Comme un écho de Chélanie Beaudin-Quintin. COMPÉTITIONS - COURTS-MÉTRAGES LES JURYS   Reconnus par la critique et le public tant pour leur créativité, leur parcours professionnel que leur rayonnement sur les scènes canadienne et internationale, voici les membres des prestigieux jurys de la 44e édition. Le jury de la compétition internationale longs-métrages est composé de Deborah Gabinetti, directrice générale du Bali Film Center et fondatrice du Balinale (Bali International Film Festival) en Indonésie; Fabrizio Zappi, directeur Culture et Éducation à la Rai en Italie; Olivier Côté, cinéaste de Montréal; Sonia Prior Gomez, responsable de la production audiovisuelle et de la gestion numérique au Musée du Prado en Espagne; et Elizabeth Markevich, fondatrice d’IkonoTV à Berlin en Allemagne. Le jury de la compétition internationale courts-métrages est composé de Loránd János, fondateur et directeur de Choreoscope, le Barcelona Dance Film Festival en Espagne; Anne-Lise Rosier, directrice des projets et partenariats stratégiques et responsable des programmes Villa Créative et Villa Naturalité à la Fondation Avignon Université en France; et Eve Tagny, artiste basée à Montréal. Le jury de la compétition nationale est composé de Moridja Kitenge Banza, artiste basé à Montréal; Max Beckham Ortner, secrétaire général de l’IMZ International Music + Media Centre à Vienne en Autriche; et Antoine Leonetti, directeur et programmateur du Barcelona FIRE!! LGBT Film Festival en Espagne. LES PRIX Huit prix seront décernés par les jurys : le Grand prix, le Prix du jury, le Prix du meilleur essai, le Prix du meilleur portrait, le Prix du meilleur court-métrage, le Prix de la meilleure œuvre canadienne et le Prix du meilleur court-métrage canadien. Le prix hommage sera également remis par Le FIFA à Jacinthe Brisebois. Convaincu que l'art est un catalyseur puissant permettant à chacun·e de s'engager dans la construction du monde de demain, Le FIFA met de l’avant cette année des films qui cultivent l’art comme une ouverture d'esprit, qui marient pratiques artistiques et convictions, des oeuvres qui illustrent autant les reliefs des cultures à venir que les racines de nos origines communes. LE CINÉMA D’ART : Programmations exclusives de la TATE (Londres), du Musée Reina Sofia (Madrid) et National Gallery Singapour. Sans oublier l’Avant-garde…   Les cartes blanches du FIFA dépassent toutes les attentes avec des commissaires internationaux de très haut calibres: Valentine Umansky, commissaire et autrice, en poste à la Tate de Londres, propose une sélection d'œuvres issues de la collection d’Emile Stipp, collectionneur d'art contemporain, et soutien aux artistes africains et issus de la diaspora africaine depuis l'Afrique du Sud et l'Angleterre. Il a siégé pendant plus de dix ans au comité d'acquisition d'art africain de la Tate Modern. Il a ensuite fait don d'une partie de sa collection d'œuvres vidéo au musée, et cette carte blanche présente un ensemble de travaux issus de cette donation fondatrice. Chema González, Responsable du département Film & Nouveaux Médias au Musée Reina Sofía (Madrid), présentera Frente a Guernica de Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi. Comment Guernica de Picasso peut-il être représenté au cinéma? Comment une œuvre en images animées peut-elle répondre au statut iconique de ce tableau et à sa représentation du massacre et de la violence dans l’après-fascisme ? Guernica est une fresque, mais elle est également — de par son échelle, sa palette en noir et blanc et son sens de la séquentialité — une véritable réponse picturale à l’écran de cinéma. Picasso entretenait un dialogue constant avec des cinéastes tels qu’Esfir Shub, Roman Karmen et Luis Buñuel, et, à la suite de ce travail, avec Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi. Pauline Soh, directrice principale des programmes curatoriaux au sein de la National Gallery de Singapour, présente un programme de six œuvres d’artistes et cinéastes contemporains d’Asie du Sud-Est. Iels explorent des manières alternatives et non linéaires de comprendre et de se relier aux êtres non-humains et à l’environnement par le cinéma. Leurs démarches visent à témoigner et à redonner de la puissance et de l’autonomie aux entités naturelles et surnaturelles.   Mireia Gubern & Carmen Cruañas de CaixaForum+ (Barcelone) présenteront Omega Wants to Dance, réalisé par Ramon Tort. Le film est particulièrement marquant par la diversité et l’exceptionnalité des voix qu’il rassemble. De la puissance expressive de l’icône du flamenco Sara Baras à la perspective cosmique du prix Nobel Didier Queloz, en passant par les réflexions profondes du penseur européen du théâtre Roberto Fratini et de la docteure Luján Comas, le documentaire compose un autoportrait riche et multidimensionnel de l’humanité par le biais du corps et de ses danses. AVANT-GARDE L'ESPAGNE À L'HONNEUR Cette année, le cinéma espagnol s'est imposé dans notre programmation par la force de ses productions. Portrait de l'architecte Enric Miralles récompensé d'un Lion d'or à la Biennale d'architecture de Venise (Miralles), film portant sur un immense talent du flamenco (Farruquito: A Flamenco Dynasty) ou encore documentaire retraçant le parcours d'un des créateurs de mode les plus doués de sa génération (The Designer is Dead), c'est une Espagne plurielle et contemporaine qui est racontée à travers les films que nous présentons.   Également déployé à travers des cartes blanches portées par des institutions majeures et la présence d’invité·e·s issu·e·s du monde muséal et festivalier, ce focus met en relation différents contextes de diffusions et regards curatoriaux. Il propose une traversée ancrée dans des pratiques concrètes où se rencontrent cinéma, histoire de l’art et créations espagnoles.   FOCUS ESPAGNE   LES INCONTOURNABLES DU FIFA LA NUIT DE LA DANSE   La danse a, année après année, une place de choix au FIFA. C’est à ce titre que La Nuit de la danse rassemble des films où le corps devient langage, surface de friction, point d’ancrage. Le programme traverse gestes chorégraphiés, performances filmées et explorations hybrides, portées par des artistes d’ici et d’ailleurs, notamment Marlene Millar, Chélanie Beaudin-Quintin, Oleg Jiliba, Alain Fleischer, Mary-Lee Brunet, Damien Bourletsis, Andrew Margetson, Alla Kovgan & Annie-B Parson, Ali Kenner Brodsky et bien d’autres.    Images tirées des films The Oath d’​​Alla Kovgan et Annie-B Parson, And me, I’m dancing too de Mohammad Valizadegan et Ce qui nous lie de Damien Bourletsis   Changer de perspective sur l’histoire de l’art et sur celles et ceux qui la façonnent demeure essentiel. Cette année encore, de nombreuses œuvres sont portées par des réalisatrices et par des récits qui déplacent le regard, qu’il s’agisse de redonner voix à des figures invisibilisées ou de revisiter les grands noms du patrimoine culturel. Dans Emily: I Am Kam, Danielle MacLean célèbre l’héritage d’Emily Kam Kngwarray, immense artiste aborigène australienne, en ancrant son œuvre dans la transmission, la terre et les cérémonies des femmes d’Alhalker. Avec How to Build a Library, Maia Lekow coréalise le portrait inspirant de deux femmes kényanes qui entreprennent de décoloniser une bibliothèque autrefois réservée aux Blancs, transformant un lieu de mémoire en espace d’émancipation. Instinct, coréalisé par Andrés Varela, explore quant à lui la création théâtrale autour de l’instinct maternel, de l’avortement et du handicap, faisant du plateau un territoire de résistance. Le théâtre vu par le cinéma sera également présent cette année à travers Scarabée d'or, documentaire plongeant dans le processus créatif de Wajdi Mouawad. Enfin, des films comme Claude McKay, errances d’un poète révolté ou Arthur Rimbaud, six mois en enfer revisitent des figures littéraires sous un angle contemporain. Autant d’œuvres qui interrogent les récits dominants et réaffirment le pouvoir transformateur de l’art. Image tirée de Instinct de Carlos Morelli et Andrés Varela   LA NUIT DU COURT   Forêts habitées, vieillesse attentive, pratiques artistiques au long cours, dérives urbaines animales, archives féministes et gestes de résistance : autant de fragments qui composent La Nuit du court. De la Géorgie à Los Angeles, des Îles-de-la-Madeleine au Sénégal, les films réunis pour cette soirée spéciale explorent les territoires intimes et politiques de la création. Avec Andro, portrait d’un·e artiste queer défiant l’autoritarisme, Cara de bicicleta, hommage vibrant à la liberté des femmes, ou encore Chanson de toile, qui tisse données numériques et mémoire médiévale, le court métrage devient espace d’invention et de prise de parole. La programmation fait dialoguer danse et deuil dans Les mêmes yeux que toi, art et territoire dans Lifeline, restitution et héritage culturel dans Mbarodi, ou encore paysages et inspiration dans Madeleine. Entre animation, essai, performance et documentaire, cette nuit célèbre la vitalité du format court et sa capacité à condenser, en quelques minutes, des mondes entiers.     Images tirées des films Chansons de toile de Lydia Yakonowsky, Lifeline de Morgan Pinnock, Murs invisibles de Florian Schönerstedt LES FILMS D'ARCHITECTURE présentés cette année interrogent l’espace comme lieu de mémoire, de pouvoir et de résistance. De l’iconique immeuble brésilien imaginé par Oscar Niemeyer dans COPAN de Carine Wallauer, véritable microcosme politique où se rejouent les tensions démocratiques du pays, à la maison-musée iranienne de Ça reste entre nous de Maryam Shapoorian, qui devient le réceptacle intime des bouleversements de l’Histoire, l’architecture apparaît comme un organisme vivant, traversé par celles et ceux qui l’habitent. Avec Miralles, Maria Mauti explore l’œuvre profondément humaine de l’architecte catalan Enric Miralles, révélant une pensée architecturale attentive au passage du temps et à la fragilité de l’existence. Out of the Picture d’An.Ash Smolar questionne quant à lui l’effacement des femmes dans l’histoire de l’architecture et met en lumière les stratégies actuelles pour reconquérir visibilité et légitimité. Autant de films qui rappellent que construire, c’est toujours inscrire des choix politiques, sociaux et intimes dans la matière même de nos villes. Outre cette programmation de films, Patrice Vermette, concepteur artistique de renommée internationale qui a remporté l'Oscar de la meilleure direction artistique (Best Production Design) en 2022 pour son travail sur le film DUNE, participera à une conversation professionnelle consacrée à l’architecture dite «brutaliste» et à son interprétation cinématographique. Image tirée de Miralles de Maria Mauti FIER·E·S ET RÉSISTANT·E·S La nouvelle édition du FIFA met en lumière des artistes qui transgressent les cadres établis et redéfinissent les territoires de l’intime, du corps et de la représentation. Avec Jean Cocteau et Les Cahiers Adjani, le Festival revisite des figures mythiques du cinéma et de la poésie, révélant la puissance d’archives et de regards contemporains pour éclairer leurs zones d’ombre et de création. Arthur Rimbaud, six mois en enfer prolonge cette exploration en plongeant dans la jeunesse fulgurante du poète, entre révolte, désir et vertige. Les enjeux de genre et de désir traversent également la programmation : Archaeology of Lesbian Desire interroge les traces et les silences entourant l’histoire des amours lesbiennes, tandis que ANDRO et Husbandryexaminent, chacun à leur manière, les constructions sociales du masculin et les rapports de pouvoir inscrits dans les corps. Avec Lip Sync, Heartbeat, le geste performatif devient terrain d’expérimentation sensible, où voix et pulsation se répondent. Enfin, le duo iconoclaste est célébré dans The Pilgrimage of Gilbert & George et Gilbert & George Daytripping Forever!, portraits vibrants de ces artistes indissociables qui ont fait de leur vie une œuvre totale. Autant de films qui célèbrent la liberté créatrice et les identités insoumises. MUSIQUE   Côté musique, le FIFA célèbre des artistes dont la voix et le geste résonnent bien au-delà de la scène. Avec Amadou et Mariam : Sons du Mali de Ryan Marley, le Festival rend hommage au mythique duo malien, dont la trajectoire lumineuse fait dialoguer traditions mandingues et pop internationale, dans une ode vibrante à la transmission et à la création. Figure inclassable de la chanson française, T’es où Philippe Katerine? de Gaëtan Chataigner part à la rencontre d’un artiste insaisissable, entre fantaisie, poésie et liberté radicale. Le corps en mouvement est au cœur de The Way We Move de Nicolas Davenel et Vanessa Dumont, qui explore la danse comme langage universel et espace de communauté. Avec Song of the Hands mettant en lumière le travail du chef d'orchestre Gustavo Dudamel aux côtés de personnes sourdes ou malentendantes, la musique devient tactile, révélant une autre manière de ressentir le rythme et la vibration. Enfin, présenté en première québécoise, Ai Weiwei’s Turandot de Maxim Derevianko suit l’artiste et dissident chinois dans sa relecture de l’opéra de Puccini à Rome, faisant de la scène lyrique un puissant manifeste pour la liberté d’expression.       Images tirées des films Omega Wants to Dance de Ramon Tort, Matsogo de Lerato Shadi, The Way of the Spirit de Khvay Samnang.   À PROPOS DU FIFA 44 Le Festival International du Film sur l’Art (Le FIFA) se consacre à la promotion et au rayonnement international du film sur l’art et les arts médiatiques. Sous la direction générale et artistique de Philippe U. del Drago, Le FIFA propose un événement annuel au mois de mars qui permet de découvrir les dernières productions de films sur l’art. À travers sa programmation, ses nombreuses activités annuelles ainsi que sa plateforme de diffusion de films d’art en ligne (ARTS.FILM), Le FIFA, fondé par René Rozon, s’engage à accroître la connaissance et l’appréciation de l’art auprès du public. Le FIFA s’emploie également à promouvoir le travail des artistes œuvrant dans les domaines du cinéma, de la vidéo et des arts visuels, ainsi qu’à encourager la production et la diffusion de films sur l’art. La 44e édition du festival aura lieu en salle à Montréal et à Québec du 12 au 22 mars 2026 et en ligne du 20 au 29 mars 2026. www.lefifa.com

Du 25 juin au 4 juillet, le Festival International de Jazz de Montréal s’impose une fois de plus comme l’un des grands rendez-vous culturels de l’été canadien. Avec plus de 350 concerts, dont deux tiers gratuits, la ville se transforme en une scène vibrante où le jazz dialogue avec les musiques du monde, affirmant son ouverture et sa diversité.

Del 25 de junio al 4 de julio, el Festival International de Jazz de Montreal (FIJM) regresa como uno de los grandes encuentros culturales del verano canadiense. Con más de 350 conciertos, de los cuales dos tercios son gratuitos, la ciudad se transforma en un escenario vibrante donde el jazz dialoga con las músicas del mundo, reafirmando su vocación de apertura y diversidad.

A lo largo de la noche, Natalia compartió pensamientos y memorias como quien conversa con amigos bajo una luz tenue de la iluminacion del teatro. Se dijo profundamente orgullosa de haber nacido en su “tierrita” México, y confesó que su música bebe de los sonidos más cotidianos del país: el pregón del vendedor de gas, el canto metálico de quien compra “fierro viejo”, o el inconfundible llévele llévele de los mercados. Dijo que los mexicanos podemos llegar a ser muy dramáticos y también habló de la soledad de la que se regocija, esa compañera ambigua que, si bien es fértil para la creación y la inspiración, reconoció con franqueza que puede ser también “muy cabrona”.

La 45ª edición del Festival Internacional de Jazz de Montreal (FIJM) se acerca rápidamente, marcando usualmente la llegada del buen tiempo en la ciudad. En una reciente conferencia de prensa, se anunciaron las fechas del evento: del 26 de junio al 5 de julio de 2025. Una vez más, el centro de Montreal vibrará al ritmo del jazz con más de 350 espectáculos, de los cuales casi 115 serán gratuitos.

Noche de clausura de la competencia más prestigiosa en el mundo de fuegos pirotécnicos estuvo realzada por la performance del enigmático Gregory Charles y sus músicos antecediendo el anuncio de los ganadores de este certamen. Gregory contribuyó asimismo con la selección de la banda sonora de los fuegos lanzados por Panzera & Rozzi's Famous Fireworks.  Estas dos compañías no decepcionaron a su público ya que presentaron un hermoso espectáculo priotécnico digno de una final y para celebrar los 25 años del Casino de Montreal.   Los tiros fueron muy hermosos, usaron muy bien el lago e innovaron con muchos tiros horizontales de un lado a otro.  El público vibró incansablemente durante su presentación.  Las canciones seleccionadas incluían temas de artistas conocidos desde Simple Plan hasta Celine ion, desde Marie-Maie hasta Hubert Lenoir y Loud. Bravo! 

ESTADOS UNIDOS
Atlas Pyrovision Inc. tuvo excelentes condiciones climáticas para presentar su obra pirotécnica en la competencia más aclamada en el mundo con el tema Espíritu de la Selva.
Sus primeros disparos fueron coloridos y contundentes. Nos llevaron suavemente a admirar los diferentes cuadros musicales y pirotécnicos desplegados en los cielos y sobre el lago. La sincronización con la música fue impecable y las técnicas de tiro casi perfectas.

La Ronde se enorgullece en presentar la 35ª edición de L'International des Feux Loto-Québec. Una vez más este año, La Ronde presentará una temporada de calibre internacional. Del 29 de junio al 27 de julio, los cielos de Montreal se iluminarán y se presentarán los mejores artistas de fuegos artificiales del mundo.

Durante más de veintiocho años que cubrimos los Fuegos Artificiales de Montreal hemos visto desfilar a los mejores representantes de la industria pirotécnica del mundo y puedo testimoniar que es el evento más prestigioso debido a su popularidad, calidad de los fuegos artificiales, la apertura en aceptar nuevos países participantes, a la seguridad pirotécnica y a la camaradería que hay entre los pirotécnicos de La Ronde y los participantes. Todos estos elementos hacen que este evento sea el más popular del verano donde los expertos pirotécnicos vienen a concursar y dan lo mejor en sus espectáculos para quizás llevarse el prestigioso Júpiter de Oro a casa.